Shine off - Música

¡Hey! Lo nuestro es interminable - Charly García en el Gran Rex, 11/11/11

2011-11-11T21:22:00.000-08:00

El más grande volvió y el más grande sigue volviendo. Charly García continúa con su serie de tres shows en el Gran Rex, cada uno con un set list diferente, que repasa de forma arbitraria su vasta carrera.

El 11/11/11 fue el turno de El ángel vigía y así arrancó apenas pasadas las 21 (esta nueva versión de Charly incluye puntualidad) con la lista de temas prometida en el sobrio y elegante folleto del show. «Piano bar», «Canción de 2x3» o «Plateado sobre plateado» (dedicada a Gustavo Cerati porque “parece una canción de él”) fueron algunas de las piezas que se destacaron en la primera parte del, hasta el momento, prolijo show.

Charly mantuvo la banda que lo viene acompañando desde aquella vuelta en el 2009 que tuvo su punto cúlmine el día de su cumpleaños bajo la lluvia torrencial en el estadio de Vélez y que devino en su CD+DVD El concierto subacuático. Cambió a Hilda por Rosario Ortega (si bien cumplió, está claro que no es Hilda), agregó a Samalea (que se lució con el bandoneón, el vibraphone y algunos elementos de percusión) y a un trío de cuerdas comandado por Alejandro Terán (que le aportó a la banda la delicadeza que necesitan algunas canciones, casos «Eiti-Leda» o «Desarma y sangra»).

Después de la primera parte, hubo un intermedio en el que se proyectó una parte de El perro andaluz de Buñuel, mientras Graciela Borges recitaba frases de las canciones de Charly, frases que tan bien funcionan en cualquier contexto. También estuvo presente la voz de Juan Alberto Badía a lo largo de todo el show, leyendo frases de Say No More o el cuento que Charly escribió para Sinfonías para adolescentes.

La segunda parte pareció que iba a mantener la estructura propuesta pero comenzó a degenerarse por diversos motivos. Primero Juanse, invitado a tocar y cantar «La sal no sala», una canción que no estaba en los planes, ni siquiera en los demás conciertos. Después vino la advertencia de Charly que a las 11:11 iba a transmitir en directo a través de internet y, al ver que no llegaba a esa hora con el show pactado, comenzó a hacer tiempo incorporando canciones de las otras dos fechas: «Cerca de la revolución», «Me siento mucho mejor», «Instituciones» o «Canción de Alicia en el país» fueron algunas de las más celebradas, aunque suene extraño decir esto con García. Hace rato que sus canciones no distinguen entre hit o no hit, casi cualquier parte de su obra se transformó en “una que sepamos todos”, en un patrimonio invaluable de la cultura argentina.

También llegó Fito Páez como invitado e interpretó junto a Charly la ya mencionada «Desarma y sangra» y una versión furiosa de «No se va a llamar mi amor».

Los generosos bises (con Fito aún presente en el piano), en los que García “tomó prestadas” canciones de los otros dos shows, extendieron la noche hasta casi las tres horas de duración y el prócer del rock nacional se despidió con «No voy en tren» cerca de los primeros minutos del 12/11/11.

Esta serie de recitales lo muestran a Charly García en plena etapa de recuperación, y aunque sabemos que el proceso es largo, por el momento parece que está dando resultado, al menos para honrar su carrera que tanto se lo merece.

Roger Waters - The collection

2011-09-11T19:57:00.000-07:00

Si tenemos en cuenta la especial atención que Pink Floyd suele dedicarle al arte que acompaña su música, este box set -que contiene toda la carrera solista del cerebro creador de la banda- resulta escaso. Apenas un puñado de sobres con los discos y un pequeño libro que acompaña y provee la información mínima y necesaria de cada grabación, todo dentro de una caja de cartón llena de frases de sus canciones a modo de prolijos graffitis. No hubo lugar para ediciones más generosas con letras y fotos (que suele ser el valor agregado que los fetichistas pagamos por estas reediciones) ni mucho menos un disco extra con sus “non-album-tracks” a lo largo de su carrera («Each small candle», «Leaving Beirut» o «To kill the child» por nombrar algunos).

Pero podemos aprovechar para hacer un pequeño repaso de lo que fue la carrera de Waters fuera de Pink Floyd. Su debut fue en 1984 con The pros and cons of hitch hiking, una suerte de continuación de The final cut (último trabajo con Floyd en 1983) que bien se puede definir al equivalente en música de una road movie. Cuenta con Eric Clapton en la guitarra para reemplazar los solos de Gilmour. Predominan los climas tensos que rompen en esos gritos de Waters que tan bien usó en The Wall y de los que tanto abusó en el mencionado The final cut.

En 1987 aparece Radio KAOS, en el que las canciones muestran una estructura más orientada al pop pero en ningún momento abandona la idea del disco conceptual. No hay forma que Waters entienda los discos de otra forma. En este trabajo aparece la influencia de la época, por momentos el disco suena a los '80: la fuerza rítmica, la forma en que utiliza los vientos y por supuesto, los gélidos teclados y la batería electrónica.

Pero el disco que hace que toda su carrera solista valga la pena es Amused to death (1992). El único momento en el que Roger logra el vuelo de los mejores trabajos de Pink Floyd gracias a que no intenta parecerse a su vieja banda (aunque por motivos lógicos no puede evitarlo), sino que escribe canciones funcionales para contar su historia. Vuelven los temas recurrentes de siempre: la guerra (y lo absurdo de la guerra), el cuestionamiento de los dogmas establecidos, el papel de los medios. Aunque podemos observar que hay un cambio de enfoque, un Roger seguramente más maduro, pasa del insensible y confortablemente entumecido Pink al relator de la realidad que se sorprende de su propia compasión (“What does it mean / this tearjerking scene / beamed into my home / that it moves me so much / why all the fuss? / it’s only two humans being”). Y si hay algo que Roger sabe hacer es tocar fibras sensibles con trucos simples pero efectivos: la multitud cantando «Perfect sense», el contraste de los matices o sólo el relato de «Watching TV» en el que interpela al oyente a participar emocionalmente del asesinato de una manifestante china en la protesta de 1989 en la plaza Tiananmen: “Won’t you grieve with me?”. El trabajo de reemplazar los solos de guitarra de Gilmour recae en este caso en Jeff Beck que hace una gran tarea especialmente en la hipnótica «Three wishes». Si algo se le puede criticar al álbum es su extensión. Para ser un disco simple más de 70 minutos es demasiado (apenas nueve minutos menos que el total de ambos discos de the Wall), pero si nos ponemos rigurosos, no hay demasiado material que sobre.

Hasta aquí podemos contar la carrera solista tradicional de Mr. Waters, lo que vino después fue una cuestionada ópera titulada Ça Ira sobre la revolución francesa y, previo a eso, el doble registro (tanto en audio como en video) de lo que fue su gira de comienzos de siglo. La misma gira que lo trajo a Buenos Aires por primera vez en marzo del 2002 cuando realizó un mísero concierto en Vélez (que llenó a duras penas) mientras que hoy agotó ocho estadios de River Plate en cuestión de horas. Quizás ayude a explicar semejante diferencia de público la crisis que vivía el país durante el 2002 contrastada con la prosperidad de hoy. Pero más seguramente fue la intención de Roger (a fuerza de giras temáticas) de dejar en claro durante estos años que Pink Floyd es él. En los noventa Gilmour y compañía tuvieron el nombre, la gira maratónica, el círculo de luces y el disco que titila, Roger reclamó su derecho a ser Pink Floyd con su voz y sus canciones. Podría decirse que se lo ganó, pero lo cierto es que siempre fue suyo.

Regina Spektor - Gran Rex 7/11/10

2010-10-16T07:47:00.000-07:00

Junto a una inusual formación (violín, violoncello y batería, además de su piano y su ocasional guitarra), la cantante nacida en Moscú y establecida en Nueva York ofreció un concierto impecable para el público argentino.
Se basó en las canciones de Far, su trabajo más reciente, que ocupó la mitad del concierto. De las trece canciones que integran el disco interpretó diez, que fueron la mitad del total del concierto. Pero no se olvidó de algunos clásicos y de su puñado de hits. No faltaron los obvios «Samson», «Us» y «Fidelity» (el encore con el que se despidió); tampoco la intensidad de «Après moi», el desparpajo de «Poor little rich boy» (en el que Regina, como siempre, se acompañó con su mano izquierda en el piano y su mano derecha golpeando una silla con una baqueta) o su número fijo en vivo, «Boobing for apples» (el único que no aparece en ninguno de sus trabajos,el resto pertenecen todos a Soviet Kitsch y Begin to hope) y en el que toma la guitarra para interpretarlo. Estas son las muestras de lo que Regina fue y son los pasos que transitó para convertirse en lo que es: una brillante compositora de canciones, una cantautora moderna. De eso se trata Far, una colección de canciones de una artista madura, que dejó atrás todos los rastros de sus influencias (clásica, freak folk, anti folk, jazz, blues) o más bien las incorporó y las fusionó con su estilo hasta hacerlas imperceptibles.
Lo que queda es 100% Regina y eso es lo que vino a presentar, su nuevo repertorio de clásicos instantáneos. Así pasaron «Laughing with», «Machine», «Human of the year» y «Dance anthem of the 80s» entre otras, que muestran la diversidad de la rusa a la hora de escribir.
Ahora pasamos de la Regina compositora a la Regina intérprete. Cada vez que uno la escucha aparece esa sensación de que Spektor es capaz de hacer lo que sea con su piano y con su voz. Su técnica perfecta con el instrumento y sus dotes vocales naturales la hacen sobresalir en este aspecto. Pero por otro lado, su forma precaria de tocar la guitarra y esa mezcla de timidez y dulzura la humanizan, le dan al espectáculo cierta cuota de calidez.
No hubo demasiada comunicación con el público, salvo por ocasionales “holas” y “muchas gracias” y un episodio en el que desparramó su té y un asistente comenzó a limpiar. “Siento que lo tengo como a Cenicienta” disparó sagaz Regina entre las risas de la audiencia.
Como es costumbre en la rusa, la extensión del show no fue demasiada, apenas llegó a la hora y media, pero le bastó para deslumbrar al público argentino y despedirse sin grandes pompas ni reverencias. 100% Regina, 100% artista.

Peter Gabriel - Scratch my back

2010-03-15T21:06:00.000-07:00

Antes que nada, vale aclarar que esto no es un disco de covers. Al menos no es el típico disco de covers. Lo sorprendente de Scratch my back es la forma en que todas las canciones, que provienen de géneros y artistas variados, confluyen en un sonido completamente “gabrielizado”. Cualquiera juraría que es un disco de estudio con canciones nuevas de Peter Gabriel.
Los artistas elegidos no solo son homenajeados sino que entran en el juego que propone Peter Gabriel. En este disco (Scratch my back) son versionados, en el próximo de la serie (And I’ll scratch yours) tienen que elegir un tema de Gabriel para versionar. De esta forma ahora tenemos a Peter con su propia visión de canciones de artistas consagrados como David Bowie (el único que no aceptó participar del intercambio) o Lou Reed, Radiohead y Paul Simon, o de nuevos valores como Arcade Fire, Bon Iver o Regina Spektor.
Este juego de ida y vuelta con los artistas es, como siempre, lo que Peter Gabriel está proponiendo es su constante búsqueda por ir más allá, por hacer del arte algo dinámico, algo en movimiento.
La consigna que Gabriel manejó para grabar este disco fue simple “Orchestra, no drums, no guitars”. Quiso que el protagonista sea la orquesta, además de unos delicados aportes del piano. Esto le da al disco un tono intimista y a la vez intenso. Peter le imprime gravedad a las canciones y transforma por completo, por ejemplo, «The boy in the bubble» de Paul Simon o «Street spirit (fade out)» de Radiohead.
Entre los temas a destacar aparece «The book of love» de The Magnetic Fields (la única canción del disco que ya había editado previamente), con un maravilloso arreglo orquestal y la dulce voz de Melanie, su hija, haciendo las armonías vocales.
«My body is a cage» de Arcade Fire es una de las versiones más poderosas del disco (quizás junto a «Flume» de Bon Iver), la orquesta realmente se luce en un crescendo constante junto a la voz de Peter.
Pero la versión más lograda del disco es «Après moi», de Regina Spektor. La canción de por sí, la versión original de Regina, es de una intensidad sorprendente. Peter Gabriel retoma esta energía a su manera. Se pierden los rastros soviéticos de la Spektor y aparece el ímpetu de Peter Gabriel. Comienza con su calma característica, para ir aumentando los decibeles emocionales con su voz –única- desangrándose hacia el final de la canción, para retomar la calma finalmente.
El cierre del disco es con «Street spirit (fade out)», y lo que Peter retoma en este caso es la desolación propia de Radiohead y, nuevamente, a su manera particular. La lentitud con la que avanza la canción es desesperante, con la voz de Peter casi susurrando y quebrándose sobre un arreglo de piano brillante.
El resultado del disco es notable, Peter logra que el disco no sea un simple disco de covers, sino algo más. La mirada que tiene Gabriel sobre algunos de sus artistas preferidos, su forma de deformarlos o volver a construirlos.
Seguramente se le critique a este disco cierta monotonía, cierta insistencia de Peter con los momentos oscuros y melancólicos. Por supuesto, estarán todos equivocados, con Peter Gabriel nunca es demasiada oscuridad.

Joanna Newsom - Have one on me

2010-03-03T06:04:00.001-08:00

Esta chica que deslumbró en el 2006 gracias a su belleza, su originalidad y su disco Ys, volvió después de cuatro años con un disco triple.
Ya comienzan a levantarse las voces que califican a los tres discos de exagerados pero no hay nada que sobre en Have one on me. Hay una cohesión en el sonido general del disco, más allá de la variedad que incorpora Joanna en este nuevo trabajo: orquestaciones, instrumentos un poco más convencionales (piano y percusión especialmente) y su ya conocida y celebrada arpa.
A su vez, el disco no logra aburrir. Las dos horas y moneda que dura Have one on me (podría haber sido un disco doble si tenemos en cuenta la duración, pero alguna razón tendrá Joanna para este tipo de recorte) transcurren amablemente. Después de unos minutos, la voz chillona se vuelve adorable, su arpa es el mejor acompañamiento que esa voz puede tener, y no deja de asombrar su capacidad para escribir letras épicas (prácticamente no repite versos en todo el disco) llenas de fabulaciones.
«Good intentions paving company» es la primer canción que sobresale. Difiere bastante del trabajo que venía haciendo la Newsom, pero sin perder su esencia. Si algo no se le puede discutir a esta chica, es que es única. Apoyada sobre el piano, la canción comienza su andar y Joanna la lleva cómodamente, demostrando su versatilidad para ir más allá de las baladas con su arpa.
En seguida llega la belleza de «No provenance», los brillantes arreglos orquestales de «Easy» o «Kingfisher», la delicadeza de «In California» o las aspiraciones de clásico inmediato que aparecen en «Esme».
Con esto, y mucho más, Joanna le da forma al mejor trabajo de su carrera, sin la timidez de The milk-eye mender, con más diversidad que Ys y con sus pretensiones épicas cumplidas.
Para el final aparece una Joanna reflexiva en la calma de «Does not suffice», una canción perfecta para cerrar el álbum y despedirse hasta la próxima obra.

Remasters of the universe: El box-set de The Beatles

2009-12-16T21:54:00.000-08:00

Este blog se caracteriza por brindar noticias sobre música con cierto retraso. Es difícil que aparezca la crítica de un disco que acaba de salir, principalmente por holgazanería y otras obligaciones menos placenteras aunque más importantes. Pero también porque desde acá se cree que aquello que vale la pena comentar, vale la pena darle un tiempo de maduración y de reflexión. Es por eso que las novedades recién salidas del horno es mejor buscarlas en otro sitio. Hace tres meses y unos días que apareció el box-set de los Beatles y probablemente ya estén pensando que me tomé todo este tiempo para apreciar cada detalle de la carrera de los cuatro más famosos de Liverpool. La verdad es que no. Acabo de adquirir la caja recién ahora por motivos económicos y por compromisos que no me dejaban tiempo para prestarle la debida atención (mejor dicho, de haber tenido la caja antes, no hubiese cumplido con las obligaciones laborales y académicas). Tampoco dejé ningún tiempo de maduración del material, hace apenas unas horas que está sonando y todavía no llegué ni a la mitad (voy cronológicamente por Rubber Soul). De todas formas no hay mucho que se pueda decir de los Beatles que no se haya dicho ya.

La edición de Love, esa nueva mezcla que George Martin y su hijo hicieron para un espectáculo del Cirque du Soleil; la salida de One, ese compilado rojo con todos los number one singles; Let it be... naked, el último disco despojado de los agregados que excedían a los fab-four; los Anthologies en audio y video con las "novedades" de «Free as a bird» y «Real love»... podemos seguir así hasta un par de años después del final de los 60s, del final de los Beatles. Resulta que no pasan más de dos o tres años, sin que algo suceda en el mundo beatle y se desate una nueva beatlemanía.
En este caso la entrega era esperada y jugosa: la discografía completa de la banda más importante de la historia por primera vez remasterizada digitalmente (la única edición en CD hasta el momento, de 1987, tan sólo había sido un traspaso del vinilo al disco compacto, sin que el sonido recibiera algún tratamiento especial).

Lo primero a lo que uno está atento es a las diferencias con las viejas versiones. Es cierto, los discos suenan mejor y hay detalles que cambian, pero no es mi intención comentar sobre estas nimiedades, algo más importante esta ocurriendo: llegó al mundo el primer box-set que atesora todos los discos de los Beatles. Tener esta caja en las manos es tener la parte más importante de la cultura popular de los últimos 40 y pico de años.
Con el transcurso de los discos puede notarse la impresionante e inigualable evolución que mostraron los Beatles a lo largo de su carrera, en apenas siete años y trece discos. Nadie en la historia del rock creció tanto en tan poco tiempo. Porque ninguna banda de rock mostró la enorme evolución que mostraron Lennon, McCartney, Harrison y Starr desde los sencillos beats de Please please me hasta el atemporal Abbey Road, en apenas siete años, pasando por la psicodelia, el rock progresivo, los discos conceptuales, las influencias hindúes y todo tipo de experimentación.

Es imposible no hacerse eco de lo que se dijo de estas cajas. Se suele coincidir en una valoración totalmente positiva. En un imaginario ranking de boxes-sets, este tesoro no tendría competencia, es la madre de todas las cajas, la que uno llevaría a la isla desierta.
Entonces aparece la extraña paradoja que define a los Beatles: son personalmente universales. Todos tenemos historias individuales con su música, a todos nos acompañaron durante nuestra vida y cada uno experimenta esto de manera única y particular. Cada uno elige sus canciones o discos preferidos, su beatle favorito, su “quinto beatle” (de acuerdo a la simpatía que se le tenga a George Martin, Yoko Ono, Brian Epstein, Phil Spector, Billy Preston, etc.). Pero a su vez, estos acontecimientos nos unen a todos, todos revivimos la beatlemanía, cada uno cumple con su parte y se sabe miembro de un colectivo. Son universales porque despiertan el interés de los consumidores más allá del estrato social, religión, generación o lugar al que pertenezcan.

Vayamos entonces a que los Beatles sigan acompañándonos a través de nuestra vida. Nos encontramos dentro de dos o tres años, cuando tenga lugar la próxima de estas pequeñas revoluciones.

Eterno resplandor - Luis Alberto Spinetta – Estadio Vélez – 4/12/09

2009-12-07T19:54:00.000-08:00

Pocos minutos antes de las 22 horas el “flaco” empezó su show antológico. Pasadas las 3:20 terminó. Fueron casi cinco horas y media de la música de Spinetta, uno de los dos próceres indiscutidos del rock argentino.
Ya se especulaba con un concierto de gran duración, dada la cantidad de temas que se venían ensayando, los innumerables invitados que se iban a sumar a la fiesta y la intención de recorrer toda su carrera.

Lo prometido se quedó corto. La lista de invitados fue apabullante, pasearon por el escenario de Liniers Javier Malosetti (además del bajo, tocó la batería durante el set de Los socios del Desierto, en lugar del fallecido Wirtz), Diego Rapoport, Beto Satragni, Leo Sujatovich, “Bocón” Frascino, Juanse, Ricardo Mollo y varios etcéteras más. También estuvieron los pesos pesados del rock vernáculo: Fito Páez, Gustavo Cerati y Charly García. Los tres fueron homenajeados por el dueño de la noche (el gesto de humildad que caracteriza a los grandes) con la interpretación de sus composiciones, respectivamente «Las cosas tienen movimiento», «Té para tres» y «Filosofía barata y zapatos de goma». Después de este último tema se pudo ver por segunda vez en poco más de un mes a los dos músicos más importantes que dio nuestro rock: Charly y el “flaco” interpretando «Rezo por vos». Casi como aquél 23 de octubre lluvioso (diluvioso mejor dicho) cuando el “flaco” era el invitado y Charly el anfitrión. Fue casi como estar en un universo paralelo; las similitudes y las diferencias de ambas noches así lo sugirieron. Las diferencias: la despiadada lluvia de Charly contra la agradable noche del “flaco”; la figura intensa de Charly rezando, en blanco y negro, que se proyectaba en la pantalla contra las formas y colores pseudo psicodélicos que aparecían detrás del flaco. Las similitudes: el profundo respeto y admiración que mostraron el uno por el otro durante ambas noches. Con esta reunión cumbre se cerró la primera mitad, por la que pasaron clásicos como «Alma de diamante», «Bajan», «Cementerio club» (el punteo de esta canción cobró, por una noche, el estatuto del mejor solo de Gilmour), «Ella también», y tantos otros, infinitos, eternos.

La segunda mitad comenzó con los sets de cada banda. Primero Los Socios del Desierto, con su power jazz-rock; después Invisible, con Pomo y Machi en perfecta forma interpretando brillantemente maravillas como «Durazno sangrando», «Jugo de lucuma» o «Lo que nos ocupa es esa abuela…». Más tarde fue el turno de Pescado Rabioso, el momento más festejado de la noche (sin contar la participación de Charly que fue something else) en el que Cutaia, Lebón, Black Amaya y la ayuda de Vadalá en el bajo nos regalaron «Poseído del alba», «Post-crucifixión» o «Me gusta ese tajo».
El final de esta mini cuenta regresiva de sus bandas de los setenta fue con Almendra. El “flaco” volvió a compartir el escenario con Edelmio Molinari, Emilio del Guercio y Rodolfo García para tocar joyas como «Color humano», «Hermano perro», «Fermín» y una versión fiel a la original de «Muchacha (ojos de papel)», el emblema de la banda, con los tres músicos alrededor del “flaco” y su guitarra. Como si el tiempo no hubiera pasado. Su tiempo es hoy.

El último bloque terminó con sus tres hits más conocidos, «Seguir viviendo sin tu amor», «Yo quiero ver un tren» y «No te alejes tanto de mí». En ese momento se dio algo que nadie jamás hubiera esperado que pase (pero que Spinetta tiene ampliamente merecido): miles de personas coreando los temas del flaco en un estadio casi lleno (faltaron vender algunas plateas, por lo que se veían algunos huecos que eran agrandados por algunos ingratos que comenzaban a abandonar el recinto antes de tiempo).
Para el final del show, Spinetta le regaló un gran “fuck you” a la revista Rolling Stone por haber recortado y photoshopeado su remera de Conduciendo a conciencia, la causa por la que el flaco viene luchando y colaborando en estos últimos tiempos.
Así se despidió, después de cinco horas y media, dejando en algunos la increíble sensación de que fue poco. Así de grande es el “flaco”.

Steve Hackett – Out of the tunnel’s mouth

2009-11-25T09:30:00.000-08:00

En el mundo de la música hay una especie de batalla entre dos posiciones supuestamente enfrentadas. Tenemos por un lado a los virtuosos, los técnicamente impecables, los que se preocupan por una ejecución perfecta. En menos palabras, los que fueron a una clínica de Robert Fripp. Por otro lado están los creativos, donde lo importante es la canción, la inspiración del autor y el sentimiento que se ponga en la interpretación. De esta forma aparecen por un lado los Steve Vai, los Keith Emerson, los Mars Volta y muchos metaleros, mientras que por otro lado tenemos a los John Lennon, los Bob Dylan o los Jeff Buckley.
Por supuesto que no hay que ser extremista, estos aspectos no son excluyentes uno de otro, simplemente suele haber uno de los dos que tiene una presencia más fuerte, que se destaca por sobre el otro.
Lo interesante entonces sería encontrar el equilibrio, alguien que se acerque al 50% de cada uno. Seguramente estarán esperando que desde aquí se postule que Steve Hackett logra ese 50-50. Pues no, Steve es 100% de cada una. No solo es un virtuoso indiscutible con su instrumento, sino que es un compositor asombroso, dueño de un “estilo Hackett” que ya es marca registrada. La virtud principal de Hackett es la de poner el acento en la música antes que en su instrumento, a contramano de lo que suelen hacer los “guitarristas de bandas famosas devenidos solistas”. Ya desde sus comienzos en Genesis Peter Gabriel destacaba de Hackett que “mientras otros guitarristas se preocupaban por hacer sonidos y acordes con su instrumento, Steve se interesaba en crear climas y atmósferas en conjunto”.
Esta generosidad de Hackett para con la música no logra, sin embargo, que su instrumento se destaque menos. Su fraseo característico (cercano en cierta forma a Gilmour o Knopfler) ya se volvió inconfundible.
Otro aspecto destacable de Hackett, es su constante búsqueda de nuevos sonidos, su incursión por diversos géneros (a veces fallidas como el caso de Blues with a feeling, a veces sorprendentes como sus interpretaciones de Satie).
Un motivo recurrente en esta búsqueda son los sonidos orientales que Hackett reformula y utiliza con maestría. Estaban presentes en “Unquiet slumber for the sleepers…” (Wind & wuthering, 1976) y permanecen hoy, en su nuevo trabajo, en la canción que cierra el disco, “Last train to Istanbul”.
La influencia española clásica también aparece en el disco, el comienzo de “Nomads”, y especialmente el final, donde su guitarra de nylon se mezcla con la Fernandes y sus estiletazos inconfundibles.
La joya del disco es “Emerald and ash”, con el comienzo pastoral reminiscente del Genesis de “Harlequin” y un quiebre en el medio, donde la canción se torna un instrumental con tintes progresivos. Muy apropiado para una de las personas que mejor entendió el significado del término.

Rickie Lee Jones - Balm in Gilead

2009-11-06T13:47:00.000-08:00

Gracias a Spinner.com, se puede acceder al nuevo disco entero de Rickie Lee Jones (al menos por ahora) de forma gratuita, rápida y legal. Con solo un par de clicks ya estamos escuchando el nuevo trabajo de la blonda nacida en Chicago con una calidad de sonido que no tiene nada que envidiarle al mp3 convencional.
Rickie, que hace unos meses estuvo visitando Buenos Aires y nos regaló un magnífico show, deja atrás su versión femenina de Bob Dylan que fue Sermon on Exposition Boulevard (2007) y vuelve al camino que había comenzado a retomar con The Evening of My Best Day (2003). En este nuevo trabajo se puede reconocer a la vieja Rickie de sus dos primeros –y brillantes- discos, pero además se le suman todas otras Rickie que supo ser a lo largo de los años. Estamos hablando de una artista que jamás se quedó quieta ni se estableció en un género, que hipotecó el éxito comercial a cambio del reconocimiento del sector cultural y de sus pares.
En este nuevo trabajo Rickie se anima a todo, o más bien, hace lo que quiere. Nos encontramos entonces con la canción de cuna que le cantaba el padre («The Moon Is Made of Gold», escrita por Mr. Jones), con un instrumental jazzero y lleno de experimentación («The Blue Ghazel) o con los aires místicos y religiosos de «His Jewelled Floor». La heterogeneidad en este caso suma, todas las apuestas de Rickie salen airosas.
El costado convencional del disco también suma, ya que las canciones más “Rickie Lee Jones” (su estilo es único) de Balm in Gilead contienen una calidez propia de la Rickie que enamoró al mundo (y a Tom Waits) a fines de los ’70 y comienzos de los ’80, y una inspiración que no tiene nada que envidiarle a sus trabajos de esa época.
«Remember me» es uno de los mejores ejemplos. Rickie desnuda sus sentimientos en una canción que cabría perfectamente en su disco debut (y el acordeón de fondo, reminiscente de The Magazine, es encantador). «Bonfires» (una de las canciones que presentó acá y que en su página puede verse un video de Rickie interpretándola en canal 7) nos muestra nuevamente a aquella Rickie quién arranca la canción con un irresistible “There’s just one thing before I go/You are the sweetest boy I know”. Va también por ese camino «Eucalyptus Trail», cuyo sonido nos vuelve a recordar al disco The Magazine de 1984 y que retoma la temática de «A Face in the Crowd», del 2003, en la que Rickie se siente la última de su especie. Rickie dialoga de nuevo con su primer disco en la apertura del álbum, «Wild Girl», dedicado a su hija Charlotte, en la que nos ofrece su guitarra inconfundible y hasta chasquea los dedos.
Y la más agradable de las sorpresas es “The Gospel of Carlos, Norman and Smith”. El órgano Hammond nos envuelve con su cálido sonido (está presente a lo largo de casi todo el disco) mientras Rickie nos canta un gospel aletargado pero esperanzador, probablemente reflejo de sus sentimientos por el cambio de administración en su país. Quedó atrás el desasosiego de la era Bush («Ugly man») y la cambió por la esperanza que trae Obama, aunque las cosas parecen no cambiar tanto en la tierra del norte.
Rickie redondea un disco a la altura de su catálogo: inspirado, innovador y clásico al mismo tiempo, propio de una artista atemporal.

Interesados, pueden escuchar el disco haciendo click aquí: http://www.spinner.com/new-releases#/12

Si estás entre volver y no volver - Charly García en Santiago, 02/10/09

2009-10-17T10:44:00.000-07:00

Los carteles que empapelaron la ciudad hace unos meses decían “Vuelve el más grande”, y podía verse la figura de Charly García, de espaldas, sentado ante un piano, con un spot de luz sobre su persona. Tan solemne y respetuoso como se merece el músico popular más trascendente de los últimos años. En definitiva, el único que puede hacerse cargo del título “el más grande”.
La campaña de prensa, ideada por Darío Lopérfido, apuntaba a construir una nueva imagen de García; limpio y prolijo. Casi un prócer. Atrás quedaron las manchas de aerosol, los conciertos caóticos (aunque muchas veces brillantes), los escándalos, y lo más triste de todo: que García nos entregue su genialidad con cuentagotas.
Para esta nueva versión de Charly, el músico contaba con su “chaleco químico” (Hilda Lizarazu dixit), que lo mantuvo confortablemente entumecido por algún tiempo, como se lo pudo ver en Luján, el 30 de marzo de este año. Pero los efectos de las drogas “buenas” ya se desvanecen gradualmente, y Charly recuperó algo de su chispa perdida. Lo demostró en Lima, en el concierto que inauguró esta gira, y lo confirmó el viernes 2 de octubre en el Movistar Arena de Santiago de Chile.

Con un García bien vestido, bien peinado, y hasta con una panza saludable, arrancó la función. El set list que Charly ofreció se basó, principalmente, en sus más reconocidos hits. Un show para el oyente promedio, para el sector mainstream si se quiere. «Chipi-chipi», «Fanky», «No voy en tren» o «Cerca de la revolución» fueron, entre muchos otros, coreados por las 15.000 personas que asistieron al evento. Poco hubo de sus últimos años (cuatro o cinco canciones sobre un total de treinta), y no hubo tampoco mucho lugar para las sorpresas, pero pocos esperaban que el show se abra con «Pubis angelical» (un magnífico preludio para la ocasión) o que incluya «Canción de dos por tres», otra de sus joyas olvidadas.
Muchas canciones giraron alrededor del momento que está viviendo García. «El amor espera» en donde Charly lanza un “yo me hago el muerto para ver quién me llora, para ver quién me ha usado”; la ya mencionada «Canción de dos por tres» en la que advierte “ya no quiero vivir así, repitiendo las agonías del pasado”; o el clásico de Seru Giran, «Llorando en el espejo», y su rotundo “la línea blanca se terminó”. Todas estas frases eran acompañadas por gestos cómplices de García hacia el público.
La banda, conformada por el power trío chileno que lo acompaña desde hace unos años y el agregado de tres “enfermeros” (García López, el “Zorrito” e Hilda Lizarazu), deslumbró. Sonaron ajustados y potentes, pero sobre todo, sonaron como una banda, algo que le estaba faltando a Charly. En sus últimos años, amparado en su concepto “Say no more” donde reinaba el caos, cada uno iba por su lado. Ayudó a todo esto la voz de García, que por momentos sonaba sorprendentemente recuperada, pocos notarían alguna diferencia entre su versión de «No soy un extraño» comparada con alguna de los 80.
También se cuidó la escenografía -quizás pesando en una futura edición del espectáculo- en la que aparecieron diapositivas de muy buen gusto proyectadas sobre el fondo del escenario, que hacían referencia a la música.

El final del show se estiró a causa del efusivo público que no dejaba de pedir que Charly volviera, y Charly que no paraba de volver al escenario. Fueron cinco los bises que se agregaron a la lista de temas original entre los que incluyó una conmovedora versión de «Inconsciente colectivo» dedicada a su amiga Mercedes Sosa que todavía estaba internada (ya la había recordado en «Rezo por vos») y un final con una versión acelerada de «Los dinosaurios», dedicada con sarcasmo a Augusto Pinochet.

Charly tomó este show, y el de Lima, como ensayos previos a Vélez. Esa será su verdadera vuelta, su verdadera prueba de fuego. Junto a su público y en su país, en el día de su cumpleaños. Si repite lo de Santiago, será un día histórico en su carrera. Su carrera se lo merece.

Procol Harum – In concert with The Danish National Concert Orchestra & Choir

2009-09-08T12:13:00.000-07:00

No me animo a decir que el formato “banda de rock + orquesta” es el que mejor le queda a Procol Harum, porque la versatilidad de la banda a lo largo de los años lo hace difícil. Suelen moverse con soltura en cualquier forma. Pero de lo que no quedan dudas es que este formato les sienta a la perfección. Ya lo probaron con su celebrado disco de 1972, Live with the Edmonton Symphony Orchestra, con las intervenciones orquestales a lo largo de sus álbumes (Grand hotel y Something magic especialmente) y lo confirman con esta nueva entrega, un show en vivo grabado en el año 2006 en Lejre, un pequeño pueblo a 40km de Copenhague, la capital danesa. El evento tuvo lugar el 20 de Agosto en el palacio de Ledreborg, y 23.000 personas invadieron las 1600 hectáreas que componen sus elegantes jardines para presenciar el show a plena luz del día. El espíritu de “festival” estaba vivo.

Gary Brooker llegó a un punto en su carrera en el que está disfrutando de su obra. Ya no quedan rastros del viejo Procol Harum (Robin Trower está “en otra”; BJ Wilson muerto y Matthew Fisher en litigio) así que Gary se armó su propia banda con músicos de brillantes que suenan, en conjunto, mejor de lo que Procol Harum sonó alguna vez.
El estilo de Geoff Whitehorn calza mucho mejor con la música de la banda que los excesos bluseros de Trower; Josh Phillips es un tecladista mucho más completo que Fisher; Matt Pegg es el primer bajista de primer nivel que integró la banda. Distinto es el caso de BJ Wilson, que es inigualable, pero de todas formas Mark Brzezicki (y especialmente Geoff Dunn después) cumplen muy bien la difícil tarea de llevar el ritmo de la banda.

La selección de temas fue de lo más acertada. Además de los clásicos de siempre («Homburg», «Conquistador» y obviamente «A whiter shade of pale»), la banda incluyó dos de sus mejores temas, que también aparecen en la categoría de clásicos: «A salty dog» y “Grand hotel». Sonaron además algunas rarezas. Procol Harum sorprendió con la inclusión en el set de «Something magic» y «Fires (which burnt brightly)», dos canciones que no suelen aparecer en las presentaciones en vivo del grupo, y especialmente con «Into the flood», un lado B de su disco de 1991 The prodigal stranger; y «Sympathy for the hard of hearing», una canción incluida en el disco solista de Gary Brooker de 1982 Lead me to the water.

Dicho todo esto, la mesa está servida para disfrutar de una de las bandas más injustamente olvidadas de la historia del rock ejecutando sus canciones de la mejor manera posible. Si bien la voz de Gary no es lo mismo a los 60 años, la diferencia con el Gary joven es mínima. Sorprende lo bien que mantiene la potencia de su voz.
Pero más sorprende la música. Las canciones de Procol Harum parecen eternas. «Grand hotel» desparrama elegancia y majestuosidad; «Something magic» suena precisa y los nuevos arreglos orquestales vigorizan la canción, al igual que «Fires…»; «A salty dog» suena tan grandilocuente como siempre.
«Sympathy…» es la sorpresa del concierto. Una de las mejores canciones de Gary como solista, que también sería un número fuerte en la carrera de la banda. Tiene la particularidad, dentro del recorte de canciones que aparece aquí, de ser el único tema cuya letra no escribió Keith Reid sino el mismísimo Brooker. Aparece aquí la temática de la guerra: un joven inglés que marcha hacia la segunda guerra mundial, es capturado y pasa cuatro años en cautiverio. Finalmente vuelve “hard of hearing, no feelings” y Gary cierra con una reflexión: “What do we know of pain and healing?”.
El cierre es con «A whiter shade of pale» y «Conquistador», las dos canciones más reconocidas del grupo (especialmente la primera). La introducción de «A whiter…», originalmente reformulada de un tema de Bach, en este caso presenta el propio tema de Bach. El público pudo disfrutar de más de un minuto de «Air on a G string» antes que Gary comience con las estrofas de su éxito. «Conquistador» retoma el arreglo orquestal del disco de Edmonton, con esos aires medievales españoles que refuerzan la temática de la canción, en el cierre de un show brillante, de la banda que mejor entendió la unión entre rock y orquesta sinfónica.

Aimee Mann - Gran Rex, 13/08/09

2009-08-16T20:48:00.000-07:00

No, no es un flogger escribiendo, el nombre de esta chica termina con dos “e” y dos “n”. Y esta chica se presentó en la tercera de las Personal jazz nights (vaya uno a saber qué tendrán de jazz Cat Power y Aimee Mann).
La noche la abrió Hilda Lizarazu, con un puñado de canciones, la mayoría nuevas (o poco conocidas), pero que incluyeron aquel hit de Man Ray, «Sola en los bares», y una versión muy agradable de «Buscando un símbolo de paz», dedicada al gran Charly García que se encontraba a un costado del escenario. Hubo un lindo guiño de Hilda, que miró en dirección a García mientras cantaba “será porque nos queremos sentir bien…”. La disposición de la banda, auto denominada “popklórica” (con los músicos sentados ubicados en semicírculo), colaboró para que el set de Hilda y su banda sea cálido y ameno.
Después llegó Aimee. Sin ningún tipo de pompa ni nada por el estilo (pero desparramando elegancia), la cantante oficial de la película Magnolia subió al escenario y se puso a hablar antes de comenzar a tocar. Se la notaba excitada y un poco nerviosa, y de forma atolondrada dijo lo contenta que estaba de tocar acá y se disculpó de antemano por su voz “raspy” (áspera), debido a un viaje de 17 horas y a un resfrío que le agarró cuando bajó del avión. Por supuesto que su voz sonó prácticamente igual que en los discos, no hubo rastros de deterioro alguno.
Como dije antes, sobraba elegancia. Aimee es toda una lady, es correcta por donde se la mire. Así son sus canciones, aunque podría decirse que lo que tiene de elegante, lo tiene de intrascendente. Salvo algunas excepciones, sus temas parecen repetirse, todos con un mismo formato, con un mismo espíritu. De hecho, cuando interpretó una canción de su vieja banda, Til Tuesday, la presentó como un tema con un sonido ochentoso, pero resultó más de lo mismo.
Sobre el escenario había cuatro teclados, una pequeño set de percusión, una guitarra, un bajo, un tecladito portátil y varios chirimbolos que hacían diferentes “ruiditos”. A la rubia norteamericana (cuñada de Sean Penn) la acompañaron dos músicos realmente excelentes. Las canciones ganaron jugosos arreglos gracias a las intervenciones de estos dos personajes (nombres) de los cuales uno (el más simpático) parecía Capusotto y otro una especie de Edward Norton o la versión de Los Simpsons de Sting. Ambos (especialmente el más simpático) se paseaban de un instrumento a otro en cada tema y demostraban sus sobradas habilidades fueran donde fueran. Inclusive Aimee dejó su guitarra por unos temas para pasar al bajo, además de un hi-hat que la acompañaba y una flauta que estaba extrañamente afinada por lo que tuvo que abandonar el intento.
En definitiva, Aimee brindó un show agradable en el que se destacó la sobriedad, la falta de sorpresas, pero también la elegancia y el buen gusto.

(Fotos by Hel, thanks bro)

Serú Girán - Serú Girán

2009-08-14T14:38:00.000-07:00

Este disco aparece generalmente como un ítem oscuro en la carrera de Charly García. Seguramente por las pocas y espantosas ediciones que suele haber de este álbum. Lo cierto es que es uno de los momentos clave en la vida musical de García. Había disuelto La Máquina de Hacer Pájaros un año antes (una movida inteligente y casi de vanguardia, si tenemos en cuenta lo que pasó con el rock progresivo después de ese año) y decidió irse a Brasil para trabajar en su nuevo proyecto.
Junto a Lebón, Aznar y Moro (q.e.p.d.) le dio forma a Serú Girán, la banda que se ganó el inexplicable mote de “los Beatles argentinos”, probablemente porque eran cuatro, aunque también había un gran trabajo de armonías vocales, pero más allá de eso no hay mucho con qué emparentar ambas bandas.

El orden de los factores altera el producto. Al menos respecto a un disco de rock. Si algo se le puede criticar al disco debut de Serú es el orden de sus tracks. Abren con «Eiti-leda», una canción que no puede ser seguida por nada; cierran con «Cosmigonon», un épico tramo de la guitarra de Lebón sobre un colchón de teclados que funcionaría como un interludio perfecto; ubican «Serú Girán» en la mitad, un tema que puede funcionar tanto como gloriosa apertura o como monumental final. Pero no, decidieron un orden casi al azar, que resta más de lo que suma. Mejor dicho, se perdieron de agregarle un plus al disco con un orden un poco más emocionante.
De todas formas, esto no hace que el álbum sea menos que excelente, un punto altísimo en una carrera llena de “mejores discos” como la de Charly. Está claro que hay que encarar esto como un paso en la carrera de García y no como el disco de una banda. A ver si queda claro: hay más rock argentino en el bigote de Charly que en todo el resto de la música que se editó y se editará en este país. Lo importante entonces, es ver qué es lo que el resto de los integrantes suman a la música de García, y aquí es donde Serú marca la diferencia. Cuenta con Oscar Moro, el batero más importante del rock de acá; con un Lebón potenciado por García y con un Aznar que llena de virtuosismo el disco, que le da el sabor a jazz-rock que hay en Serú. Ninguno de estos dos logró en su carrera solista la mitad de la inspiración que mostró en Serú. Se ve que trabajar cerca de García ilumina las mentes.

Fue aquí cuando Charly terminó de darle forma a «Eiti-Leda», una de sus canciones más impactantes que funciona como resabio de su paso por La Máquina, quizás fue por eso que la ubico como apertura del disco. En los tramos instrumentales de la canción los integrantes se sacan chispas. Serú es probablemente la banda que mejor sonó como conjunto en la historia de este país, lo que queda demostrado en Yo no quiero volverme tan loco, el disco editado en el 2000 que rescata lo que según el propio García fue “el mejor show que dimos”. Charly le cede el protagonismo a Lebón como voz principal en este disco más que en ninguno. Aparece así «Seminare», uno de los himnos, no solo de García, sino del rock argentino, que por más que haya sido reproducida hasta el hartazgo, sigue siendo una balada preciosa. Pero Charly se guarda para él mismo, además de «Eiti-Leda», «Separata», un tema reflexivo y auto-referencial en el que García dispara munición gruesa contra la vida de una estrella de rock. Oscar y Pedro se lucen en «Autos, jets, aviones, barcos», conformando una base poderosa. «Serú Girán» (la canción) es otra de las joyas. Con una orquestación soberbia y una letra con un lenguaje inventado por Lebón y García, el tema refleja la capacidad de Charly para componer una obra seria y deslumbrante, a la altura de su historia.
Quizás algún día alguien se ocupe de hacer una edición digna de la obra.

Blur – All the people… Blur: live in Hyde Park

2009-08-11T09:03:00.000-07:00

Hyde Park es uno de los lugares más hermosos que existe. Es una especie de Jardines de Palermo del primer mundo. Todo está impecable, el pasto es verde intenso, hay estanques llenos de patos y cisnes, pintorescos puestos de comida, ardillas deambulando (los roedores del primer mundo). Imaginen lo lindo que será ese lugar si encima le agregan a Blur.
Se sabe que Blur es una de las bandas más importantes de los ’90, dentro del britpop se los puede ubicar en el podio junto a Oasis y Pulp. Su discografía puede separarse en 3 pares de discos: Leissure y Modern life is rubbish como alentador período de gestación; Parklife y The great escape como cumbre del britpop; Blur y 13 que muestran una banda en busca de nuevos sonidos. Hay que agregar además Think tank, el último disco de la banda que fue grabado sin su guitarrista Graham Coxon y que, si bien no puede decirse que sea un mal disco, no está claro lo que el grupo intenta hacer.
En medio de esta accidentada vuelta de Blur (que graban, que no graban, que internan a Coxon, que se separan), la banda tocó en algunos festivales (Glastonbury, T in the Park) y ofreció dos conciertos en Hyde Park, en los que demostró que siguen sonando tan bien como siempre (la voz de Damon sigue tan potente y nítida como antes), y que tienen un bagaje de canciones inagotable. El set fue deslumbrante y así y todo hay varias joyas que quedaron afuera («Best days», «1992»).
De todas formas el show no fue un viaje en el tiempo a los ‘90, Blur sonó actual, cosa que habla bien de sus canciones.
Los mejores momentos del show son los que más festeja el público, o mejor dicho, en los que se nota su participación, que resalta lo mejor del espectáculo en vivo. Por eso aparecen en primer lugar «Tender» y «Song 2», en las que apenas después de sus primeras notas, la gente se “adelanta” y comienza a corear los “Oh my baby, oh my baby; oh why, oh why” y los “uh-uh” respectivos.
También son muy celebrados los hits como «Girls & boys», «Coffee & TV», «Parklife» y «Country house», en los que Blur hace gala de todos los diferentes recursos con los que pueden lograr un éxito, que sobresale en comparación con sus archienemigos de Oasis que sólo disponen de una única fórmula.
«To the end», una de las baladas más hermosas que la banda escribió, es otro de los puntos fuertes del concierto. El estribillo es el momento en el que Albarn eleva su voz, con un coro de miles de afortunados que lo acompañan en el “and it looks like we might have made it, yes it looks like we made it to the end”.
Y ya que estamos con “to the end”, para el final Blur se guarda su mejor canción: «The universal», que no cambió nada desde aquel video futurista con Albarn caracterizado como Alex de La naranja mecánica y muestra a Blur en su auge, lo que mejor le salió dentro de una carrera colmada de buenas cosas. El final es emblemático, con la gente de nuevo como protagonista y cerrando el show con un adecuado “just let them go”. Thank you, good night.

Vuelve el más grande: Charly García

2009-08-06T10:03:00.000-07:00

“Vuelve el más grande”, dicen los carteles por la calle, y están acompañados por una foto de Charly, de espaldas, sentado en un piano, con el reflector cayéndole sobre todo su ser. Tan emocionante como solemne. Tan respetuoso como se merece el mejor músico popular del país. Si alguno aún se resiste a pensar que “el más grande” es pertinente para García, le propongo el siguiente ejercicio: nombren un músico sobre el que puedan estar hablando los carteles. ¿Lo encontraron?, ¿no? Por supuesto, no hay. Ni siquiera el flaco Spinetta puede bancarse ese título. La vanguardia es así. Nadie en este país, y muy pocos en el mundo pueden sostener algo similar a la brillante carrera de Charly García (hasta Say no more es indiscutible). El peor disco de Charly (¿El aguante?) sería una obra maestra de cualquier banda promedio. No nos olvidemos que fue él quién se encontró con el diablo y fue él quién cantó acerca de un río de cabezas aplastadas. Mientras otros (muchos) hacían masa en la plaza, pero no como aquella vez.

La vuelta se trata de una nueva canción, «Deberías saber por qué», que van a presentar en algunas radios (en “cadena nacional de rock”) el viernes 7 de Agosto a las 12 hs. Seguramente la canción no se merezca toda la pompa con la que se la está anunciando (aunque con Charly nunca se sabe), pero la carrera del músico sí. No sin algo de razón hay quienes afirman que, de ser inglés, Charly sería más grande que Lennon. El karma de vivir al sur.
Es cierto que esta vuelta esta llena de morbosos que quieren ver cómo aparece Charly después de su crisis y su dopaje legal, pero también están los esperanzados que quieren ver si el ícono argentino nos deja de dar con cuentagotas su amor. Unió para la ocasión (tema nuevo, futuro disco nuevo, probable show en Vélez en su cumpleaños) dos de sus mejores bandas (sino las dos mejores): Samalea, el “Negro” García López, el “Zorrito”, Hilda, y los tres chilenos. No hay razón para no ilusionarse, si algo le sobra es talento y capacidad.

Ray Wilson - The next best thing

2009-07-31T12:43:00.000-07:00

El pobre de Ray Wilson va a cargar una cruz durante toda su vida: fue el reemplazo fallido de Phil Collins en Genesis. Si la gente ya odiaba a Phil por haber reemplazado a Peter Gabriel y haber llevado a Genesis hacia nuevas direcciones, imaginen lo que le esperaba a Ray, después de Calling all stations, un disco que no fue una continuación del “pop progresivo” de Genesis, Invisible touch y We can’t dance, ni tampoco una vuelta al rock sinfónico de los 70s, sino que se trata de un híbrido, que se queda a mitad de camino de todos lados (aún así, sostengo que es un disco aceptable y que cualquier banda promedio desearía haber escrito, pero tratándose de dos de los creadores de Selling England by the Pound, tiene sabor a poco).
Para colmo, el Genesis de Ray tuvo que cancelar el tramo norteamericano de la gira por falta de interés por parte del público (aunque, nobleza obliga, en Europa no les fue mal), por lo cual a Ray le quedó el estigma de haber destruido a Genesis.
Y como si esto fuera poco, la banda lo dejó afuera de todo lo que vino después. La edición de los Archives, la gira del 2007, los box sets remasterizados en 5.1 de Nick Davies, y lo que más le dolió a Ray: la nueva versión de «Carpet crawlers», para la cual lo habían llamado para preguntarle si estaba interesado en grabar las voces junto a Gabriel y Collins y jamás volvieron a contactarse con él (importante crueldad del lado del managment de Genesis).

Pero a Ray no parece importarle su pasado en Genesis, y hasta lo utiliza para llegar a más gente. Las publicidades de la gira que lo trajo a la Argentina en el 2005 decían “Genesis” más grande que “Ray Wilson”. Además, en sus shows en vivo no solo interpreta canciones de Calling all stations (lo cual es perfectamente aceptable), sino que se apropia de canciones previas de la banda. Y Ray no se queda ahí, si es dudosa la honorabilidad al interpretar canciones de cuando no pertenecía a Genesis, imaginen la cara de piedra del cantante escocés al hacer covers de Peter Gabriel y Phil Collins solistas.

A pesar de todo esto, Ray es un buen músico. No por nada lo eligieron Rutherford y Banks para suceder a Collins (algo es verdad, la debacle genesiana post-Collins no es culpa de Wilson, le hubiese pasado a cualquier cantante que no fuera Gabriel o el mismo Phil). Su currículum incluye un éxito relativo con Stiltskin, su vieja banda (lejos del rock progresivo, más cercanos a lo alternativo) y después de Genesis grabó discos solistas de gran calidad.
The next best thing es su segundo trabajo de estudio y muestra a Ray en su mejor faceta, como cantautor. Es una lástima que él solito se rebaje a ser casi un tributo a Genesis/Peter Gabriel/Phil Collins cuando tiene tanto que ofrecer.
El álbum cuenta con piezas de gran nivel. El comienzo folk con «These are the changes»; la potencia de «Inside» o las preciosas baladas al piano «Adolescent breakdown» y «Sometimes», la primera con un aire sombrío, la segunda con tintes melancólicos (“Sometimes love just ain’t enough”, nos canta Ray con desencanto). También juguetea con otros géneros. Hay un dejo de blues en «Alone», unas pizcas de funk en el instrumental «The next best thing» y el viejo y querido rock progresivo en el sorprendente «The actor», que comienza con la voz de Ray, enigmática, sobre unos sonidos floydianos de guitarra, hasta el quiebre en la mitad de la canción, una delicia para los viejos proggers que hasta incluye un clavicordio.
Habrá que estar atentos a lo que ofrezca Ray, siempre y cuando comience a ser él mismo. Al fin y al cabo es lo que mejor le sale.

Hamacas al Río – Le Bar, 29/07/09

2009-07-30T14:31:00.000-07:00

Hamacas al Río debe ser la banda más agradable de los últimos años en la escena nacional. Si bien se puede decir que pertenecen al indie-pop, sus trabajos van un poco más allá. Liderados por Laura Ciuffo, que tiene una voz maravillosa, la banda se hamaca (sepan disculpar) entre el folk melancólico y algunos giros propios del mejor Sigur Rós, y en su música todo es delicado y remite al frío invernal. Cuentan con dos discos (Hamacas al Río y Mitad de junio) y un EP que regalan en su sitio (¿qué esperan para dejar de leer e ir a bajarlo?) llamado Un pequeño relato.
En medio de las grabaciones del sucesor de todo eso, ofrecieron un show pseudo-gratuito (entrada gratis, consumición mínima de $15.-) en Le Bar, un sitio pequeño e íntimo, perfecto para la pequeña música nocturna e invernal de la banda.
Si el lugar era perfecto, el público todo lo contrario. Los murmullos que devinieron en gritos, las fotos y las meseras deambulando entre la gente arruinaron cualquier clima que se pretendía crear, a pesar del pedido de Laura de hacer “silencio, porque estamos cantando”.
Pero de todas formas el grupo sonó impecable. Dividió el show en dos partes y en el intervalo los integrantes de la banda hicieron de dee jays (en su viejo significado, o sea, pasaron música que incluyó Aimee Mann, Fleet Foxes y The Decemberists. Vemos que el buen gusto de la banda no se queda en sus propias composiciones).
Repasaron buena parte de su discografía, que incluyó mis dos temas preferidos («Final de fiebre», con un comienzo encantador, y «El mismo invierno», en el que desarrollan un crescendo final impactante), aunque toda su obra es elogiable; el bagaje instrumental de la banda es de lo mejor que se escucha en el país.
También presentaron un par de canciones nuevas que a primera oída parecen más de lo mismo, pero habrá que esperar para juzgarlos de repetitivos antes de tiempo. Más si tenemos en cuenta que su segunda obra supone una evolución respecto a la primera.

Super Furry Animals - Radiator

2009-07-25T14:28:00.000-07:00

Siempre es respetable, o cuando menos simpático, que una banda se comprometa a plantar árboles debido a que la producción de un CD colabora para la destrucción de bosques y el calentamiento global. Sobre todo si esta aclaración aparece en “letra chica” en un rinconcito de su disco, sin hacer tanto alarde innecesario (Bono, ejem…).

Los SFA se formaron en Gales en el año 1993. Liderados por el guitarrista y cantante Gruff Rhys (de un registro similar a Damon Albarn), cuentan con una discografía sólida. Ente sus trabajos más destacados aparecen Radiator, Rings around the world y Phantom power, y este año presentaron Dark days/Light years, su nuevo álbum.

El elegido para hoy es Radiator, el más reconocido entre los nombrados hace un instante. Supongo que el género que mejor les cabe es el de britpop, pero quedarnos ahí sería injusto con lo que ofrece la banda, ya que incluyen con sabiduría elementos de la música de los 60s y los 70s (los Beatles, por supuesto, y unos interesantes giros progresivos) y algunas cosas más modernas, toques electrónicos y experimentales que le dan al disco un sonido actual a pesar de las fuertes influencias de décadas pasadas.

El álbum comienza con «Furryvision ™», un pequeño y tranquilo instrumental con una rica mezcla de teclados y cuerdas, que dan paso a un disco que poco tiene que ver con su obertura. Hay mucha fuerza en las canciones, pero esa fuerza no se la da el volumen o la velocidad, sino las inspiradas melodías que abundan a lo largo del disco y los diferentes recursos utilizados (especialmente los coros). Esto se nota en canciones como «The secret language of screaming» o «She’s got spies».

Promediando el disco aparecen los trabajos más interesantes y novedosos, «Hermann loves Pauline», «Chupacabras» y «Torra fy ngwallt yn hir». En la primera fusionan a la perfección su música con una especie de rap, en la segunda juegan con el punk más melódico y la última se destaca por estar cantada en su idioma nativo.

El cierre de Radiator es impecable. Las brillantes canciones aparecen una tras otra (especialmente «Bass tune to D.E.A.D.») y uno desea que el disco no termine nunca. Los SFA quizás lo sepan, y ante la imposibilidad de tal cosa, nos ofrecen a cambio un final cíclico. En «Mountain people», último track, nos dejan en una suerte de loop armónico que se va a quedar en nuestras cabezas un buen rato después de terminado el álbum.

Bat for Lashes - Two suns

2009-07-14T13:51:00.000-07:00

Una de las novedades más agradables del año es Two suns, el segundo disco de Natasha Kahn -más conocida como Bat for Lashes- y sucesor de Fur and gold (2006).
Natasha es cantante, multiinstrumentista, compositora y, además de todo eso, artista plástica. No solo se encarga de la música que contiene el disco, sino también del arte que lo envuelve. Debo admitir cierta simpatía por los artistas a los que les gusta hacer todo ellos mismos, y soy un convencido de que cada músico debería hacer, al menos una vez, un disco completamente solo.

Natasha complementa su música con una serie de factores que, lejos de alejar el foco de lo estrictamente musical, colaboran en la conformación del álbum como un concepto. La teatralidad de la artista inglesa (en sus presentaciones suele aparecer caracterizada con vestimentas y pinturas de motivos mitológicos o folklóricos) la revelan como una figura mística. Además de todo esto, el disco cuenta con una instrumentación variada, aunque siempre apoyado en el piano y bases electrónicas (además de la versátil voz de Natasha), también se pueden apreciar sonidos que le dan a la música el ambiente adecuado. Esto es, un disco oscuro, lúgubre, tenebroso, dramático. Todo lo que Evanescence se empeña en arruinar Natasha lo hace bien.

El primer corte de difusión es «Daniel», uno de los temas más upbeat de Two suns, con una melodía pegadiza, pero que no se escapa a lo que representa el disco. El otro tema “alegre” (siempre en el contexto que la obra propone, no vayan a pensar que es apto para una fiesta) del álbum es «Pearl’s dream», casualmente (o no) el segundo single, que incluye un interesante trabajo de percusión y una letra que contrasta con la música: “and when the battle was done I was promised my son”.

Pero lo más elogiable de Two suns aparece en los extremos. El comienzo con «Glass», en el que Natasha se anima a un inicio a capella y hace gala de sus dotes vocales. Con esa voz enigmática nos canta sobre miles de torres de cristal y cientos de ciudades de esmeralda sobre una base de percusión casi tribal.
Para el final del disco se guarda lo mejor. «Two planets» es reminiscente (para ser buenos con Natasha y no decir que es un afano) de la mejor Bjork (de Post o Vespertine) donde brillan nuevamente las bases electrónicas y las capas de voces de la cantante inglesa. «Travelling woman» es la canción más mundana de Two suns, sin que esto suene peyorativo. Apenas con un piano, su voz y un sobrio acompañamiento de percusión, Natasha demuestra que sus temas no necesitan agregados ni adornos.
El cierre del disco es con «The big sleep», donde Natasha, acompañada por Scott Walker, suena etérea, hipnótica, como proveniente de un sueño. Es extraño lo bien que se complementan dos voces tan diferentes.

Con sus 45 minutos (hasta la duración del disco es adecuada, hace unos años uno rogaba que los discos duren eso para que entren en un lado de un TDK de 90) Two suns se perfila como uno de esos discos que seguramente integrará las listas de “lo mejor del año” en diciembre, y bien merecido se lo tiene Natasha.

Rickie Lee Jones – Gran Rex – 25/06/09

2009-06-26T20:40:00.000-07:00

Finalmente Rickie pasó por Buenos Aires y brindó un show asombroso a pesar de la escasa concurrencia y algunos problemas de sonido.

Siempre supuse que era imposible que Rickie Lee Jones viniera a tocar a la Argentina. Hace 20 años que sus canciones no tienen difusión, e incluso cuando la tenían, esta no era muy importante. El reconocimiento popular de Rickie es de apenas un par de hits: «Chuck E’s in love» y «Satellites». Pero para sorpresa mía y de otros pocos, la irresistible blonda anunció su presentación en un teatro mucho más grande de lo que uno se hubiera imaginado.

La noche comenzó con un sentido show de Grace Cosceri, que interpretó un puñado de canciones en clave de jazz, con una banda muy prolija. Se dio el gusto de agradecer la oportunidad de abrir para Rickie (“una de mis referentes”) y de cerrar el show con una canción de otro que supo apoyarla siempre, «La miel en tu ventana» del flaco Spinetta.

Después de unos minutos las luces se apagaron, el telón se abrió, y ahí estaba ella. Resplandecientemente rubia, con su guitarra acústica, su sonrisa y su voz única, lista para regalarnos dos horas de lo mejor de su obra. Durante estas dos horas interpretó algunas canciones de su disco próximo a salir en septiembre, y repasó su extensa carrera, haciendo foco en los dos primeros discos -al fin y al cabo lo mejor que realizó- pero sin olvidarse de ninguna etapa.

Aparecieron los problemas de sonido, uno por uno, pero Rickie pareció seguir aquel consejo que dice “ni no puedes con ellos, úneteles” y se burló de los problemas. Primero el wah-wah hacía acoples insoportables, así que imitó el sonido del pedal con su voz, después se le desconectó su guitarra acústica y se pasó a la eléctrica (con la que hizo un tema tan acústico como «Last chance Texaco» de forma maravillosa), y cuando la guitarra eléctrica se desafinaba se pasó al piano, donde demostró que es tan versátil con uno u otro instrumento e interpretó un set con canciones exclusivamente de sus primeros discos. Así pasaron «We belong together», «Pirates», «Coolsville», «On Saturday afternoon in 1963» (el primer tema de Rickie que escuché en mi vida y que hizo que me enamore casi al instante) y una versión acelerada e interminable (en el buen sentido) de «Living it up». La única contra de ese momento fue que la disposición del piano y un teclado dejaban a Rickie escondida para tres cuartas partes del teatro, por lo que tan solo podía verse la parte de arriba de su cabeza amaneciendo detrás del piano.

También pasaron otros clásicos como «Weasel and the White boys cool», «Satellites», novedades como «Falling up» y «Mink coat at the bus stop» y «Chuck E’s in love» brilló por su ausencia.

La escasa concurrencia tampoco fue un problema para Rickie. Primero invitó al público a llenar los huecos que habían quedado adelante (por lo que quedé en la fila 1, justo en frente de Rickie) y después de terminado el show volvió al escenario para interpretar un par de esos standards de jazz que tan bien le salen, donde se destacó la versión de «Bye bye blackbird» cantada casi a capella, apenas acompañada por el contrabajo.

La duquesa de Coolsville pasó por Buenos Aires y dejó una impresión altamente positiva. Regaló un show memorable e inclusive prometió volver después de septiembre, cuando su nuevo disco vea la luz. Solo cabrá esperar. I’m holding on to your rainbow sleeves.

Jarvis Cocker - Further complications

2009-06-22T12:42:00.000-07:00

“En el comienzo no había nada, y para ser honesto, eso me sentaba bien”. Así arranca Jarvis Cocker su nuevo disco, el sucesor de Jarvis, su logrado debut del 2006. Quizá esta frase explique ese “arrancar de cero” que el músico inglés se propuso desde que dejó Pulp, se fue a vivir a París y comenzó su carrera solista. Si bien es imposible despegarse por completo de su pasado, en Further complications hay un intento de poner distancia con sus viejos éxitos. Refuerza esta idea el dato que durante la totalidad de la gira de presentación del disco anterior -que lo trajo a la Argentina en marzo del 2008- se negó a interpretar los hits de Pulp.
A lo largo de las 11 canciones que componen el disco, Jarvis demuestra por qué uno de los íconos del britpop de los ‘90 sigue vigente. En este caso, Cocker le imprime a su música una dosis de violencia ausente en los álbumes de Pulp (sin que esto tenga algo de peyorativo) que se hace presente especialmente en las tres primeras canciones, pero que predomina durante todo el álbum, con piezas llenas de riffs rockeros y guitarras distorsionadas pero sin perder la esencia y el vuelo que distingue sus trabajos anteriores. Esto es, al lado de AC/DC, los rocanroles de Jarvis parecen King Crimson.
Pero las canciones más upbeat tan sólo predominan en el disco, también hay lugar para el otro Jarvis, el que supo llenar su debut solista de baladas maduras y la discografía de Pulp de clásicos. Está presente el escritor de canciones con letras agudas e irónicas (“no nací en tiempos de guerra, no nací en la pobreza, necesito una adicción, necesito una aflicción para cultivar una personalidad”) y el brillante innovador que sorprende con «Slush», un tema hipnótico y envolvente de principio a fin que se convierte en lo más elogiable de su nueva obra, junto a la preciosa balada con aires bluseros «Hold still».
Sin embargo no todas son rosas. Por momentos Jarvis aparece casi como una caricatura de sí mismo. Suena forzado el comienzo de «Leftovers» con ese “la conocí en el museo de paleontología”, reminiscente de la chica de aquel hit de Pulp que conoció en la escuela de artes. También es bastante aburrido el final del disco con «You’re in my eyes (discosong)» en la que sus casi nueve minutos no parecen terminar nunca. La canción también se queda a mitad de camino en su intento de ser la «Seductive Barry» de este siglo, lo único que logra recuperar de aquel tema es la extensión.
De todas formas, estos factores no logran empañar la calidad de Further complications y los mejores momentos del disco terminan pesando más, desde el comienzo demoledor hasta los mencionados «Slush» y «Hold still». Si bien no está a la altura de sus trabajos anteriores, no deja de ser una entrega digna, un bienvenido nuevo paso en su carrera.

Regina Spektor - Far

2009-06-15T16:11:00.000-07:00

Pocas cosas se comparan a la espera de un nuevo trabajo de uno de nuestros artistas favoritos. Cuando conocí a Regina Spektor ya había salido Begin to hope (2006) hacía unos meses, así que este, Far, es el primer disco de Regina que espero con ansias desde que me encandiló con su talento y su belleza (en ese orden).

Lo primero que salta a la vista (o al oído) en este nuevo disco es que Regina, de a poco, se está desprendiendo de sus influencias. En 11:11 (2001) aparecían muy marcados los distintos géneros que la nutrieron en su aprendizaje (jazz, blues, chanson, clásica) y a través de sus álbumes estas marcas desaparecieron progresivamente, o mejor dicho, se fusionaron con su música hasta ser imperceptibles, lo que deja como resultado a Regina en su estado puro, al disco más “Regina Spektor” que la brillante artista rusa nos entregó hasta el momento.

Se destaca, como en toda su carrera, la combinación perfecta entre técnica y creatividad. Nadie toca el piano ni canta como ella, pero tampoco hay alguien que escriba como lo hace Regina. Las melodías –simples o complejas- siempre son hermosas e inspiradas; las letras son tan sagaces y agudas como lo son dulces y agradables.
Abundan en el disco los temas de tono más melancólico como “Human of the year”, “One more time with feeling” o “Genius next door” (este último uno de los mejores que escribió en su carrera, lo cual es mucho decir) pero además hay lugar para momentos más alegres como el comienzo pop de “The calculation”, el divertido “Two birds” o el disparatado “Dance anthem of the 80s”.
También tenemos la canción dramática que jamás falta en sus últimos discos. En este caso aparece “Machine”, con esa base de arpegios que utiliza en “The flowers” y “Après moi” y le imprimen al tema un aire épico. Aquí incluye sonidos metálicos que refuerzan la temática de la canción: “I’m hooked into machine”.

Y por supuesto no faltan los hits. Una balada reflexiva como “Laughing with” e “Eet”, un rock similar a lo que harían Ben Folds o Keane, pero con la magia de esta pequeña rusa, pronto estarán dando vueltas por las radios, los canales de música y los downloads ilegales. Ambas canciones tienen sus respectivos video-clips que pueden verse en su myspace (“Laughing with” particularmente es de un buen gusto elogiable).

La artista que está en camino a convertirse en clásico vuelve a brindar un trabajo de primera categoría. Un nuevo paso en su carrera. Un paso firme que le otorga un ascenso un tanto lento (su carrera no fue justamente “meteórica”), pero seguro.

Rickie Lee Jones - Pirates

2009-06-03T21:17:00.000-07:00

Fanática del jazz y del blues, Rickie nació, como no podía ser de otra manera, en Chicago y se mudó, como no podía ser de otra manera, a Los Angeles.
Es mi chica favorita (sin contar mi nueva fascinación por Regina Spektor), más que Kate Bush, Carole King, Joni Mitchell, Stevie Nicks, Sheryl Crow, Tori Amos y Elton John, así que no esperen una review parcial.
Todo el disco es conmovedor, de entrada nomás, “We belong together”, donde Rickie apoya la canción sobre el piano, con delicados toques de guitarra y percusión y, cual storyteller, la señorita Jones nos canta las más profundas historias de amor mezcladas con paisajes tales como parques de diversiones desolados, diques y esquinas oscuras, como la de la tapa del disco, en la que los amantes se abrazan. “This was no game of chicken, you were aiming your best friend” dispara Rickie de arranque con su voz más tierna en un tema que comienza a tomar vuelo hasta finalmente despegar cuando estalla la batería y la blonda se acelera y termina su pequeña masterpiece con esta belleza:

“and the only angel who sees us now
watches through each other’s eyes
and I can hear him
in every footstep’s passing by
he goes crazy these nights
watching heartbeats go by…
and they wisper ‘we belong together’”

El mejor clima del disco aparece en “Woody and Dutch on the slow train to Peking” donde todos tocan y se divierten y Rickie sobresale con su voz de nena y uno quisiera ser amigo de todas esas personas. El peor clima aparece en “Skeletons”, una canción hermosa donde sólo se escucha a Rickie con su piano. Es una historia terrible sobre alguien que muere de la forma más injusta y absurda.

“…a robbery nearby
and he goes for his wallet
and they thought that he was going for a gun
and the cops blew Bird away”

La voz de Rickie es desgarradora, por momentos se quiebra y no puede más que susurrar.
También desliza una frase que confirma por qué es mi favorita: “…some girls listen to records all day in their rooms”.
“Pirates (so long lonely avenue)” mezcla un poco de los dos climas, la alegría de las andanzas juveniles “come on Joey get out of school, we got places to go!” y la tristeza de las despedidas “goodbye boys, my buddy boys, oh my sad-eyed Sinatras”, en ambos casos la música acompaña perfectamente a la letra. Hay un guiño a Tom Waits (fueron novios, informo) en la parte de “I’m holding on to your rainbow sleeves”. “Rainbow sleeves” es un tema que escribió Tom para Rickie y que Rickie interpreta de manera maravillosa en su EP de 1983 Girl at her volcano.
Y para que su novio Sal Bernardi no se ponga celoso, lo deja cantar en el tema que ambos escribieron, “Traces of the western slopes” y cierra el disco con la inspiradora “The returns”, de nuevo ella y su piano y su voz desgarradora y unos bellos arreglos orquestales.
Rickie confirma lo que ya había anunciado en su primer disco, nos encontramos ante un de las mujeres más importantes en el mundo del rock, sin nada que envidiarle a Joni Mitchell o a Carole King, sino más bien, una síntesis perfecta de ambas pero con un grado de individualidad que hace única a la blonda de Chicago.

Scrubs - My Musical

2009-05-15T22:08:00.000-07:00

“My Musical”, el sexto episodio de la sexta temporada de Scrubs, es la excusa perfecta para hablar de esta serie en un blog de música.
Todo comienza cuando Patti (Stephanie D’Abruzzo) se desmaya en un parque donde estaban J.D. (Zach Braff) y Elliot (Sarah Chalke) y al recobrar el conocimiento no escucha a la gente hablar sino cantar. Su mundo se convirtió en un musical y los doctores hablan en rima, como bien canta el elenco. Ante los síntomas de locura que presenta, los médicos la llevan al hospital Sacred Heart para intentar dilucidar la cuestión de por qué escucha música.

La música se adapta perfectamente al género conocido como ‘musical de Broadway’, pero enfocado a la televisión, por lo que todo es más pequeño y más ágil pero sin perder grandilocuencia en los momentos necesarios, como ocurre en la canción de bienvenida o en el solemne final. También aparece el leitmotiv y los diferentes momentos propios del musical: la canción de amor, la de esperanza, la de amistad, la divertida, la triste.
El hit del episodio es, sin dudas, “Guy love”, la canción de amor que describe la extraña y cómica relación de amistad entre J.D. y Turk (Donald Faison), ante la mirada perpleja de Patti (está muy bien cuidado el hecho de que los personajes sólo cantan cuando están en presencia de la paciente).
El mismo Turk junto a su mujer Carla (Judy Reyes) son los que se roban el show con su canción “For the last time I’m dominican” en la que hacen gala de sus dotes como cantantes y como bailarines. Al tratar el tema de los orígenes latinos de Carla, los responsables de la música eligieron bien el lenguaje centroamericano (similar a lo que hizo Paul Simon en Graceland) con unos toques de tango.
Por supuesto, el humor que distingue a la serie no está ausente. Entre metáforas médicas (“somos tan unidos como la vena cava y la aorta”), la desopilante “Everything comes down to poo” y el (¿in?)explicable odio del Dr. Cox (John C. McGinley) y el janitor (Neil Flynn) hacia J.D. en “Bumper buddies” aparecen los momentos más hilarantes del capítulo.
El elenco entero muestra la destreza que suele caracterizar a los actores estadounidenses a la hora de cantar y bailar: Ted (Sam Lloyd, junto a su banda a capella The Blanks), el janitor, Cox, Turk y Carla realizan grandes actuaciones. Hasta quienes tienen ciertas limitaciones vocales (J.D. y Elliot) compensan con su calidez y sus ganas.
Scrubs ratifica con “My Musical” que es una de las series más creativas, originales y mejor logradas de la escena actual.

Rickie Lee Jones – The evening of my best day

2009-05-05T12:17:00.000-07:00

Antes de que aparezca Regina Spektor y me encandile con su talento y creatividad, existía otra mujer que había logrado lo mismo desde aquel momento en que escuché “On saturday afternoons in 1963” por primera vez.
La noticia de que la duquesa de Coolsville nos visitará el 25 de junio en el teatro Gran Rex (interesados: acá a la derecha tienen el link de Ticketek) es la excusa perfecta para hablar de este disco, uno de los mejores en el catálogo de la blonda de Chicago.
Si bien es cierto que jamás logró igualar la calidad de sus dos primeros discos, The evening of my best day es el que más se acercó al brillante comienzo de su carrera (Rickie Lee Jones y Pirates). El salto temporal es bastante grande por lo cual se nota cierta madurez en Rickie, pero sin perder la desfachatez que la caracterizó en canciones como “Chuck E’s in love” o “Woody and Dutch on the show train to Peking”.
El disco es agradable aún desde antes de escucharlo. El título y la portada, tan reconfortantes ambos, se encargan de eso.
En este trabajo Rickie se aleja del pop de Flying cowboys y Traffic from paradise para retornar a su sonido clásico. A esa deliciosa mezcla de cantautora con jazz-pop, le añade unos toques de bossa afrancesada como escuchamos en “Bitchenostrophy” (en la que inclusive canta algunos versos en francés) y otro poco de música de protesta, en este caso la causa es anti-Bush (recuerden que el álbum es del 2003) y hasta le dedica un par de temas al ex-presidente: “Ugly man” («he grew up to be like his father, ugly inside») y “Tell somebody (repeal the Patriot Act)”. En ambos temas aparece esa desfachatez tan encantadora que hace única a Rickie.
Otro de los temas donde Jones se vuelve irresistible es “It takes you there”, que bien podría haber sido uno de sus hits más conocidos si el mundo fuera un lugar más justo. «I don’t do it for God, I don’t do it for love, I’m back on the street because it takes you there» nos canta Rickie en su declaración de principios.
Pero siguen presentes sus hermosas canciones en donde se destacan “Sailor song” y especialmente el tema que da título al álbum, “The evening of my best day” con su mejor atributo: la nostalgia inserta dentro de las melodías inspiradas.
Como siempre, Rickie se rodea de músicos excelentes (sus bateristas suelen ser impresionantes) y su voz felina (Rodrigo Fresán dixit) está en perfecto estado, lo que colabora para que el disco se encuentre a la altura, o casi, de sus obras consagratorias.

Peter Gabriel - I

2009-03-25T09:43:00.001-07:00

Peter Gabriel dejó Genesis en 1975, después de la gira de presentación de The lamb lies down on Broadway. Los motivos son diversos y cambian con el paso de los años, pero se puede sacar en limpio que: El nacimiento de su hija Anna (con problemas de parto incluidos) hizo que viera las cosas de manera diferente, fue el primero de la banda en tener hijos; estuvo tentado de trabajar en cine (incluso dejó la banda durante la grabación del último disco para ir a trabajar con William Friedkin, director de El Exorcista, aunque luego eso no prosperó); no le gustaba la idea de convertirse en una estrella de rock y estaba desencantado con la industria musical (todo esto lo explica en “Solsbury hill”).
Después de mudarse al campo y tener tiempo para pensar, empezó a trabajar en su primer disco en solitario y el resultado fue asombroso. Es extraño que alguien que aún no sabía cuál era la dirección musical que pensaba tomar pueda hacer un disco tan brillante.
Este primer trabajo de Peter se debate entre las canciones en donde no se puede despegar de su pasado y el espíritu de Genesis esta flotando en el aire, y aquellas otras canciones donde parece intentar a toda costa separarse del sonido de su vieja banda. De esta forma conviven canciones con tintes progresivos como “Moribund the burgermeister”, “Humdrum” o “Slowburn” con otras como “Solsbury hill” y sus aires folk, la extraña “Excuse me” con una intro al mejor estilo cuarteto borbotones y el blues de “Waiting for the big one”.
“Solsbury hill” se convirtió en uno de los himnos de Gabriel (junto a “In your eyes” y “Sledgehammer” son las tres canciones que siempre están presentes en sus shows) y es la explicación de su partida de Genesis: “I was feeling part of the scenery, I walked right out of the machinery”; “Today I don’t need a replacement, I’ll show them what the smile on my face meant”. Más claro imposible.
“Humdrum” es uno de los mejores temas del disco y de su carrera (y van…). La canción va en un crescendo constante y termina de forma solemne, llena de teclados envolventes y la voz de Peter casi fantasmagórica.
Hay otros momentos que son pura potencia, como “Modern love” con susguitarras rockeras o “Down the dolce vita” con la intensa participación de la orquesta y toda su pompa.
Y hablando de pompa, no se puede dejar de mencionar “Here comes the flood”, otra de las tantas cosas maravillosas que hizo Peter a lo largo de su carrera. En la canción se representa nada menos que el fin del mundo y la música se ajusta perfectamente a ese sentimiento de catástrofe. Un comienzo triste, desencantado y hasta con algo de miedo que se desencadena en el potente estribillo donde nos inunda el dolor del final. Quizás en este último tema Peter abusa de la “pirotecnia” y la canción se vuelve demasiado grandilocuente, pero la otra versión de “Here comes the flood” (se encuentra en el compilado Shaking the tree y en varios de sus shows en vivo) prueba que a la canción no le hace falta nada de eso. Mucho más intimista y desnuda de toda instrumentación salvo el piano y la voz de Peter, el tema eriza la piel de cualquiera.
Otra cosa que este tiene este disco y que Peter fue perdiendo a lo largo de los años es la frescura. Con el paso del tiempo, Peter se convirtió en un perfeccionista que revisa hasta el último detalle (cosa que conspira para que sus discos tarden cada vez más en aparecer), pero en su primer álbum se nota a un Gabriel por momentos atolondrado, que sólo hacen al disco más irresistible.
Drink up, dreamers.

Peter Gabriel - II

2009-03-23T14:51:00.000-07:00

No pude terminar la cuenta regresiva previa al show a tiempo, dados los acontecimientos que se sucedieron desde que Peter arribó a nuestro país hasta el momento del show. Quedé debiendo los dos primeros discos, así que procedo a saldar mi deuda.

Como Peter suele decir, en el momento de hacer su segundo disco, no había encontrado su identidad musical, pero por supuesto, eso no le impidió hacer un disco genial, aunque suele ser el disco más criticado del músico inglés. Quizás no haya sido una buena movida querer separarse del movimiento progresivo y juntarse con Robert Fripp, uno de los íconos del género, y quizás Peter abusa de los momentos trágicos (el final del disco es tan explícitamente deprimente), pero el resultado es un álbum bien logrado, y como si fuera poco, incluye una de las mejores canciones que haya grabado Peter Gabriel (sé que estoy perdiendo credibilidad al repetir esto en cada disco, pero este hombre tiene la habilidad de producir genialidades cada vez que crea algún sonido).

Este es el disco en el que se detectan conexiones obvias con Genesis por última vez. La potencia de “On the air” podría haber sido parte de The lamb lies down on Broadway; “A wonderful day in a one-way world” contiene ese espíritu juguetón de “Harold the barrel” o “I know what I like”; y en “White shadow” brillan los sintetizadores envolventes y el solo del final de Fripp. Todo esto deleitaría a los fans de Genesis que lamentaban el alejamiento de su cantante, pero lo que realmente pesa en el disco son los momentos más tristes, desgarradores, melancólicos y hasta catastróficos.
Estos momentos están distribuidos en el disco estratégicamente como para ir deshaciéndonos de a poco.

Primero llega el miedo que sobrevuela el ambiente en “Mother of violence”, canción que escribió junto a Jill, que era su mujer en ese momento. 30 años después Melanie, su hija, se haría cargo de este tema en las presentaciones en vivo de su padre.
Un par de canciones después, nos golpea la soledad y la desazón de “Indigo”, que de movida arroja un “It’s too late” y pasa por “Alright, I’m giving up the fight” y “Oh, how I hate those long nights”, frases desalentadoras de quien perdió toda esperanza. Unos temas más adelante llega “Flotsam & Jetsam”, con una visión mucho más catastrófica (“…the water level’s getting low, something ugly’s gonna show…”) y para el final del disco, nos da la estocada final con “Home sweet home”, en donde abusa del morbo y cuenta la historia más triste que uno puede imaginar (chico conoce chica, tienen sexo, tienen un hijo, les va mal financieramente, la madre se tira por la ventana con el bebé, el padre cobra un seguro, se lo juega entero en el casino y se hace millonario), a lo que se le suma el tono melancólico de la canción más la voz desgarradora de Peter conforman una fórmula perfecta para lograr que algún desequilibrado se suicide.

También hay en el disco canciones más aceleradas y violentas que contrastan con las mencionadas ateriormente. “On the air”, “D.I.Y.”, “Animal magic” o “Perspective” ayudan a olvidar el tono depresivo que inunda el disco.
“White shadow” es la canción que se ubica entre las mejores de su carrera. Sus capas de sintetizadores y su herencia sinfónica la vuelven irresistible. Sobre el final del tema Robert Fripp nos regala un solo de guitarra memorable.
“Exposure” nos anticipa, no sonora sino conceptualmente, lo que vendría en el futuro de Peter Gabriel. Es una canción extraña, experimental, llena de capas de sonidos y con un texto corto. Lo importante es ir más allá musicalmente, y a partir de ahora es lo que Peter Gabriel le mostraría al mundo constantemente.

Peter Gabriel - III

2009-03-20T13:49:00.000-07:00

Esta noche es la segunda presentación de la mini gira latinoamericana y la ciudad afortunada es Lima. 48 horas más tarde nos va a tocar a nosotros.

Hoy es el turno de III, Melt, 1980, “el que trae Biko” o como quieran llamar al tercer disco de Peter Gabriel.
En este álbum Peter descubre quién quiere ser, musicalmente hablando. Como el mismo declara en las entrevistas de algún DVD (creo que Growing up live), “me tomó una banda de rock y tres discos solistas darme cuenta de lo que quería hacer”. Después se quejan de que Up le llevó muchos años. Obviamente, la velocidad no es la característica principal en la personalidad de Gabriel.
Este disco es el punto de inflexión en la carrera de Peter. Hay un cambio radical en la producción, en el sonido, en la estructura de las canciones. Termina de despegarse definitivamente de todo lo que sonoramente lo ataba a Genesis (salvo su voz, claro) y se consagra como solista.
Abre esta nueva entrega con “Intruder”, un tema de tintes oscuros y toques avant-garde donde reinventa el sonido de la batería (tanto en este disco como en el siguiente no utiliza ningún tipo de platillos) y le da un clima siniestro a la canción de por si siniestra, en la que relata las andanzas de un “intruso” que se entromete en las vidas ajenas sigilosamente. Phil Collins grabó en 1982 la canción sospechosamente similar, hasta en la letra, “Thru these walls”.
En este disco aparecen varios temas que comenzarían a ser la marca registrada de Peter, la prehistoria de canciones como “Sledgehammer” y “Steam”. “No self control”, “I don’t remember”, “And through the wire” y “Not one of us” van por ese camino, pero también hay lugar para momento más experimentales como “Start”, un precioso juego instrumental entre teclados y saxos que hacen de introducción de “I don’t remember”, o “Lead a normal life”, una hipnótica canción que crea el ambiente adecuado gracias a la repetición de elementos.
También este es el disco en el que peter comienza a luchar expresamente por los derechos humanos. Además de tratar el tema de la discriminación en “Not one of us”, Peter repudia la guerra con la irónica “Games without frontiers” que cuenta con la participación de Kate Bush, y le dedica el cierre del disco a Stephen Biko, el activista sudafricano que fue asesinado en la ciudad de Pretoria en 1977 por estar en contra del apartheid. “Biko” se convirtió en uno de los dos himnos de peter (el otro es “In your eyes” que llegaría unos años después). De carácter solemne, Peter trata a Biko con absoluto respeto y el resultado es una de las imágenes más emblemáticas de Gabriel, especialmente cuando interpreta la canción en vivo y el público acompaña el “Oh, oh, oh” del final. Peter Gabriel en estado puro.
Pero lo mejor del disco, y acá tenemos otro tema que compite como lo mejor de su carrera, es “Family snapshot”. No hay demasiadas novedades en la canción, de hecho guarda semejanza con las obras más melancólicas de sus primeros dos discos, pero la inspiración de Gabriel alcanza uno de sus niveles más altos.
La canción narra el momento en que alguien está a punto de disparar contra la comitiva del gobernador y aparecen las sensaciones y las explicaciones del sujeto en cuestión que se amalgaman con la música en forma perfecta que hasta nos invita a quererlo y justificarlo. Promediando el tema, la canción se acelera siguiendo el ritmo narrativo para volver a bajar las pulsaciones en un final donde ruega “come back mom and dad” y resulta desgarrador y le parte el corazón a cualquiera.
Según Peter este es el verdadero comienzo de su carrera, pero sus trabajo anteriores incluyen nada menos que dos brillantes discos solistas y algunos de los mejores discos de la historia (Foxtrot, Selling England by the Pound, The lamb lies down on Broadway) bajo el nombre de Genesis. Estamos en presencia de alguien cuya genialidad no tiene límites.

Peter Gabriel - IV

2009-03-19T22:06:00.000-07:00

Falta un día menos para el show de mi artista preferido. Además de estar todo el día imaginando como sería el encuentro con él (cual fanática histérica pienso ir a conseguir mi foto y autógrafo) y el show, también pienso en el día después, el post-show. Supongo que la depresión va a ser importante ya que no tengo ninguna gana de ir a ver a Radiohead el martes. Supongo que voy a desarrollar mejor estos pensamientos más adelante, pero por el momento ocupémonos del siguiente disco de Peter en esta cuenta regresiva.

Hay un momento en la vida de todos los que escuchan este disco, y le prestan atención, en que nos hace “click”, que entra en nuestro sistema, que se impregna en nuestra mente y que nos apasiona a la vez que nos aterra.
En mi caso fue hace unos años, salí de mi casa con los viejos walkman puestos una noche con el cielo encapotado y la calma literal previa a la terrible tormenta de verano. Los relámpagos y las diferentes capas de nubes conspiraban para que pareciese el fin del mundo mientras yo escuchaba los tambores de “The rhythm of the heat” y me sentía poseído víctima de extraños rituales indígenas, magia negra, hechizos vudú, satanismo en medio de la selva. Un ambiente gótico-tropical, como leí hace poco en internet o la banda de sonido perfecta de The serpent and the rainbow, aquella terrorífica película de Wes Craven.
Este cuarto disco es el último de los discos de Peter sin nombre (aunque en Estados Unidos le impusieron el título Security) y arranca, como se mencionó antes, con “The rhythm of the heat” seguido por “San Jacinto”. Son las dos canciones más importantes del disco (más allá de los sucesos de “Shock the monkey” y, en menor medida, “I have the touch”) y las que definen el espíritu de Security: oscuro, tenebroso, misterioso; como ocurre en los dos primeros temas, pero también en “The family and the fishing net”, “Lay your hands on me” y “Wallflower”.
“San Jacinto” es el punto más alto del álbum. Habla de un ritual de iniciación indígena de un nativo de alguna tribu de Estados Unidos y el contraste con el estilo de vida del hombre blanco (“Sit’n’Bull steakhouse, white man dream”). La base hipnótica del tema a la que se le suma la voz profética de Peter le dan al tema el aire adecuado, hasta que desemboca en el “I hold the line…” que congela la sangre, perfecto para ser cantado a toda voz y con el puño apretado en alto, una de las imágenes emblemáticas de Peter.
Por el mismo camino aparece “The rhythm of the heat”, pero con un final a pura percusión tribal a cargo de de Ekome Dance Company, una banda de percusión de Ghana.
Otro de los temas importantes es “Lay your hands on me”, donde la percusión se apodera nuevamente del papel principal y Peter recita y canta, hasta que se desata el final del tema. Este final es especialmente sorprendente si se ve la versión en vivo de POV (video documental de la gira de So), en el que Peter se deja caer de espaldas sobre el público y retorna al escenario saltando y corriendo con una aparente sobrecarga de energía.
Como buen activista de los derechos humanos, en la hermosa “Wallflower”, Peter relata los momentos de alguien que esta cautivo y privado de su libertad. Para la letra de esta canción Gabriel tomó la idea de los desaparecidos de las dictaduras de Argentina y Chile de los 70s. El tono de la canción es melancólico pero esperanzador y habla sobre no abandonar la lucha y jamás dejarlos ganar.
También hay lugar para momentos más alegres como los mencionados anteriormente “Shock the monkey” y “I have the touch”, y a este par le agregamos “Kiss of life”, que cierra el disco. Pero a pesar de este final, a lo largo de todo este trabajo sobrevuela esa sensación que describía al comienzo. El ritmo esta dentro de nosotros y tiene nuestra alma.

Peter Gabriel - So

2009-03-19T00:49:00.000-07:00

Continúa la cuenta regresiva hasta el domingo, día en que Peter estará tocando en Buenos Aires. Por cierto, su corta gira sudamericana (apenas siete presentaciones que extrañamente no incluyen Brasil) comenzó hace un rato en Caracas y por ningún motivo quiero enterarme del set-list. Si alguno tiene información al respecto, le voy a pedir amablemente que se la guarde.

Es el turno de So, el disco con el que Peter pasó de artista conocido y reconocido por algunos sectores del público, a mega estrella mundial de éxito masivo y exceso de difusión en las radios y los canales de música (curiosamente, lo mismo le estaba ocurriendo a sus ex compañeros de Genesis con su Invisible touch).
El álbum arranca con todo. De entrada nomás Peter no empapa con la gloriosa “Red rain”, absolutamente poderosa, demoledora y de carácter épico. Sin dudas, una de las mejores canciones de la carrera de Peter y un número perfecto para abrir los shows.
Después de semejante comienzo, So se mantiene en lo alto y nos trae “Sledgehammer”, la canción responsable del éxito masivo de Gabriel. Acompañada por un novedoso video clip hecho con la técnica del stop-motion, el tema es un ejemplo del mejor pop.
Para rematar este comienzo arrollador, Peter incluye la balada del disco. “Don’t give up”, interpretada a dúo junto a Kate Bush, nos relata, con su lento andar y su melancolía, la lucha de un hombre por sobrevivir dignamente. En el video clip, probablemente uno de los más aburridos de la historia, Peter y Kate permanecen abrazados y cantando durante los seis minutos que dura el tema.

Por supuesto que el disco no termina acá. Ni siquiera baja el nivel. Más allá del comienzo demoledor, lo que sigue es tan bueno como lo anterior, que incluye cosas como la tristemente hermosa “Mercy street” y el pegadizo, colorido y divertido “Big time”. Si “Sledgehammer” no hubiese existido, esta canción bien podría haber sido el caballito de batalla del disco y no defraudar a nadie.

También hay lugar para momentos más experimentales, que no pueden faltar en ningún punto de la carrera de este músico, y los ubica sobre el final del disco. Primero el hipnótico “We do what we’re told (milgram’s 37)” y después el juguetón “This is the picture (excellent birds)”, que cuenta con la colaboración de la extraña artista Laurie Anderson. Quizás utilizar estas dos canciones para cerrar el álbum, deja la sensación de que So decae sobre el final, pero por supuesto que es sólo una sensación.

También aparece en el disco el tema que el mismo Peter Gabriel eligió como su himno. La canción cumbre en cada show, la síntesis de todo lo que representa la música de Gabriel, metido dentro de una deslumbrante canción de amor, que se convirtió en patrimonio de la humanidad. “In your eyes” es una hermosa balada, que se compone de una letra simple pero encantadora, acompañada por una percusión y unas voces reminiscentes de la música africana, un estribillo universal, hecho para que todos acepten que en los ojos de la persona amada están todas las respuestas, mientras cantamos y bailamos emocionados.

El disco le proporcionó a Peter el éxito masivo que se le venía negando, y con él llegaron las voces enojadas de los snobs que no soportan el compartir “su” arte con la muchachada y tildaron a nuestro héroe de “vendido”. Por supuesto que el tiempo convirtió a So en un disco de culto a pesar de su éxito y Peter volvió a dejar que su música hable por él. No existe mejor lenguaje para Peter.

Peter Gabriel - Us

2009-03-17T13:30:00.000-07:00

Acabo de notar que me alcanza el tiempo justo para escribir una crítica por día de los siete discos íntegramente solistas y de estudio de Peter (I, II, III, IV, So, Us, Up) antes de verlo en vivo el domingo 22 en el estadio de Vélez. Ya que ayer comencé con Up, hoy continúo con la cuenta regresiva.

Con su disco anterior, So, Peter Gabriel había conseguido por primera vez el éxito masivo gracias a singles como “Sledgehammer”, “Don’t give up”, “In your eyes” y “Big time”. Si bien ya gozaba de cierto reconocimiento todavía no había dado el gran salto antes de So (curiosamente por la misma época, sus ex-compañeros de Genesis lograban algo similar con Invisible touch) y su carrera seguía tambaleante, a pesar de sus sólidas entregas artísticas. El éxito de mediados de los 80s le permitió pensar en grande para su próximo disco y Us no fue solo un disco, sino un concepto entero, su propio mundo secreto, que incluyó un disco doble en vivo y la edición en video de uno de sus shows. El espectáculo contaba con una gran puesta en escena donde se combinaban a la perfección la estética y la tecnología y se convirtió en una de las giras más importantes de la historia del rock.

Se puede decir que Us es un disco paralelo de su antecesor, una especie de hermano gemelo ya que muchas de sus canciones pueden ubicarse en pares (Sledgehammer/Steam; Don’t give up/Blood of Eden; Red rain/Come talk to me; Big time/Kiss that frog; We do what we’re told/Fourteen black paintings; etc.). Pero si en So las canciones brillaban por su frescura, en Us lo hacen por la forma en que se integran al concepto del álbum.
¿Cuál es este concepto? Se puede decir que Us es un disco orgánico, donde se busca la vuelta del hombre a su estado primitivo, a la naturaleza. Es también el disco donde Peter más y mejor fusiona la influencia de la World music en su propia música. A lo largo de las diez canciones aparecen constantemente instrumentos de diferentes culturas y etnias, predominantemente africanas. Sin dudas es uno de los trabajos más cálidos que nos entregó Gabriel y en el que desnuda sus sentimientos como nunca antes. Así aparecen temas tan introspectivos y personales como “Digging in the dirt” en el que revuelve sus propias miserias (“Something in me dark and sticky…”) o “Come talk to me”, donde se entrega emocionalmente y queda al descubierto e indefenso, rogando (en este caso a su hija Melanie) que vuelva aquella comunicación que perdieron. En un precioso giro del destino, diez años después ambos iban a estar interpretando esta canción sobre el escenario y tomados de la mano.
Las dos canciones que tuvieron más rotación en las radios y los canales de música (en parte gracias a sus videos novedosos) fueron “Steam” y “Blood of Eden”. En la primera aparece el hit marca registrada de Gabriel, con toda su fuerza, su humor y su inteligente ironía, mientras que en el segundo tenemos un Gabriel más reflexivo y nostálgico. “Blood of Eden” cuenta con la brillante colaboración de la cantante irlandesa Sinead O’Connor, que también participa en el video-clip.
Otro de los mejores momentos del disco es la balada “Washing of the water”. Un viaje interno de Peter con tintes religiosos, en el que se deja llevar por una fuerza exterior, representada en este caso por un río. De nuevo tenemos a un Gabriel íntimo y en este caso casi despojado de instrumentación, su voz es la que predomina en toda la canción.
Pero lo mejor del disco aparece al comienzo y al final. Los puntos más altos del disco son la ya mencionada “Come talk to me” que abre el disco magistralmente con sus aires épicos y los ruegos desgarradores de Peter, y “Secret world”, que cierra Us de manera brillante y donde Peter nos invita a escuchar, o más bien a prestar atención, con el “Shhh, listen” con el que se despide.

Peter Gabriel - Up

2009-03-16T16:13:00.000-07:00

“Si mañana me atropella un autobús, habrá un disco para editar”; “La velocidad no es mi fuerte, las distracciones lo son”; “A la gente mayor le cuesta más tiempo levantarse (get ‘up’)”; “La fechas límites son algo que pasamos de largo en nuestro camino hasta el final”; “Tenemos la intención de editarlo en septiembre. Verás que nunca especifico el año”.

Estas son algunas de las frases/excusas que Peter Gabriel esbozó en diferentes entrevistas ante el retraso que sufría el sucesor de Us (1992). Up debió haber estado listo y en el mercado alrededor de 1997/98 pero recién apareció en septiembre (sí, Peter tenía razón) del 2002. Suele decirse (no sin algo de malicia) que Peter tardó una década en terminar Up, pero si descontamos los dos años que estuvo de gira presentando Us (el brillante tour llamado Secret World Live), que editó dos discos que técnicamente no cuentan como solistas pero que toman el mismo trabajo (Ovo y Long walk home), sus diversos proyectos culturales de Real World y sus trabajos como activista de los derechos humanos, la verdad es que Up no le tomó tanto tiempo como para andar quejándose y si así fuera, el resultado final que nos brinda Peter nos llama más a callarnos la boca y disfrutar.
El que esperaba la continuación de Us (teniendo en cuenta el antecedente de que Us es prácticamente un disco paralelo a So) se equivocó de artista. Up es una obra absolutamente adaptada a su tiempo y a su vez es atemporal. Va a seguir sonando actual con el paso de los años, Peter es dueño de un valioso secreto que pocos conocen y que descubrió con su tercer disco en 1980 (sus dos primeros discos, si bien son geniales, nos remiten a la época en la que fueron hechos).
El disco comienza con uno de los temas más oscuros que Gabriel haya hecho y que justamente llamó “Darkness”. En esta increíble apertura Peter combina los diferentes matices, por un lado los sonidos industriales, chocantes e irritantes; por otro, la dulzura del piano. El tema de la canción es el miedo o los miedos y el enfrentarse a ellos. Peter nos deja la enseñanza de que al final, las cosas no son tan malas como parecían (“…and the monster I was so afraid of lies curled up on the floor…”).
A continuación aparece “Growing up”, el tema que le da título a todo el concepto que Gabriel adopta a partir de este disco y que incluye las giras Growing up, Still growing up y Warm up, los videos de las canciones y un par de documentales (dirigidos por su hija Anna) entre otras cosas (Gabriel siempre fue un artista multimedia). La canción está llena de ritmos cambiantes, voces que se entrecruzan y un estribillo pegadizo pero no pegajoso.
En “Sky blue” Peter recupera al lento andar de “Don’t give up” y nos pinta un paisaje árido, que nos lleva a los desiertos de Arizona. Cuenta con la participación de The Blind Boys of Alabama, una asombrosa banda vocal de negros ciegos, y por primera vez de forma oficial, de su hija Melanie, la hermosa heredera del talento paterno, dueña de una voz particularmente dulce. Más tarde se convertiría en su vocalista sobre el escenario y en la gira del 2007 hasta se animó a interpretar ella solita “Mother of violence”, del segundo disco de su papi, co-escrita por éste y su mami Jill.
En los próximos dos temas (muy a mi pesar, esto se volvió en una de esas críticas que repasan tema por tema. Si bien no es el tipo de crítica que me gusta, tampoco soy muy amigo de dejar afuera algo de este disco) Gabriel se pone trágico y habla de la muerte. Tanto en “No way out” como en “I grieve” la muerte toca cerca. En la primera la consigna es yo no te abandono, vos no me abandones, se intenta negar la muerte y luchar contra ella. En la segunda, con un matiz bastante más dramático, la idea es aceptar la muerte, por injusta que parezca, por más que haya llegado antes de tiempo: la vida continua. Este último tema formó parte de City of Angels, la película con Nicholas Cage y Meg Ryan, y aparece en un momento clave transformando una película del montón en una especial.
La segunda mitad del disco, lo que sería el lado b (pareciera que Peter sigue pensando los discos como obras con dos mitades, el orden de los tracks es impecable) arranca con “The Barry Williams Show”, el primer corte de difusión. A diferencia de hits como “Sledgehammer”, “Big time” o “Steam”, a Barry Williams le falta algo de efervescencia, probablemente por motivo de un Gabriel más maduro que ya no tiene los años que tenía en el ‘86 ni los que hacía que tenía en el ’93. Pero al tema no le falta el humor y el sarcasmo tan característicos de Peter. El sangriento video-clip lleno de gente desequilibrada es la prueba de alguien que no perdió las mañas.
En “My head sounds like that” hay un retorno a la melancolía de su segundo disco, pero de forma más aletargada. La voz de Peter se torna desgarradora por momentos (“Oh, my head…”) y en el tema reina un aire de desolación.
Sabio como pocos, Peter se guarda lo mejor para el final. Si cualquiera de las canciones presentadas hasta acá transformarían un buen disco en uno genial, las dos que vienen a continuación transforman un disco genial en una obra maestra inigualable. Primero “More than this” y la visión metafísica de Peter, pero especialmente “Signal to noise”, que es probablemente la mejor canción que Gabriel haya escrito en toda su carrera. Los valores agregados a la brillante canción son las participaciones de la orquesta y del vocalista Pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan, cuya escalofriante voz le da al tema un clima aún más épico y catastrófico. El hecho de que haya muerto poco después de grabar su participación vuelven al tema más mítico aún. Para cerrar el disco, a modo de bonus track, aparece “The drop”, una pequeña pieza donde Peter aparece al desnudo sólo con su piano, la calma después de la tormenta, y las ganas de más discos como este con la garantía de que si hay que esperar diez años, habrán valido la pena.

Roger Hodgson - Gran Rex - 22/02/09

2009-02-23T11:17:00.000-08:00

Es prácticamente imposible no comparar esta visita de Roger Hodgson con la anterior de hace diez años y monedas. Aquellas noches (fui a dos de las cuatro) por algún motivo permanecen en mi memoria casi intactas. Probablemente sea porque llegó en el momento justo; hacía poco que había comenzado su proceso de volver a la música y estaba en la víspera de un nuevo disco después de más de diez años. También estaba yo en el momento adecuado, Supertramp y la escasa carrera solista de Roger eran algunas de las cosas que estaba escuchando seguido. Fue la época en que se editaron los inconseguibles y extraños dos primeros discos de Supertramp y el olvidado Hai Hai de Hodgson, así que había una mini rogerhodgsonmanía en mi cabeza. Por último, la calidez que irradia Hodgson en el escenario deslumbra a cualquiera, razón por la cual no es una persona fácil de olvidar.

Esta visita llegó en un mal momento. Dentro de un mes toca Peter Gabriel y ese evento es que ocupa mi cabeza el 99% del tiempo, pero una vez que las luces se apagaron y Roger salió a escena, me olvidé de todo lo demás y volvió a mí todo el espíritu de hace diez años: uno de mis héroes estaba a unos pocos metros, igual pero diferente que hace diez años. Igual en las cosas que importan, su voz está intacta (sino mejor) y se lo nota disfrutando tanto del hecho de interpretar sus canciones como cuando recién comenzaba (sino más). Uno se sentiría culpable si fuera al show a verlo de reojo, pero por suerte no fue mi caso.
Las diferencias también son positivas, esta vez vino con una banda entera (batería, bajo, teclados y diferentes vientos, además de su colorida guitarra de doce cuerdas y sus propios teclados que incluyen un elegante piano de cola) que hizo sonar las canciones mucho más completas que en aquellos shows del Coliseo en el ’98, donde apenas lo acompañaban un bajista y un saxofonista. Quedó claramente en evidencia (por si alguien todavía se atreve a discutirlo) quién es el verdadero espíritu de Supertramp. Bastaron cuatro perejiles para reemplazar a Rick y compañía, mientras que Supertramp sin Hodgson siempre sonó ridículo con Mark Hart tratando de imitar al inimitable Roger.

Hodgson no es un artista particularmente prolífico, o al menos dejó de serlo en los 80s, así que el set-list incluyó caciones bastante añejas y bien conocidas por todos. No faltaron los hits obligados como “Give a little bit”, “Dreamer”, “The logical song”, “Breakfast in America” o “It’s raining again”, ni tampoco los clásicos mas distinguidos como “Take the long way home”, “Hide in your shell” o “School”. También hubo tiempo para sus preciosas baladas de las cuales destaco “Lovers in the wind” (una de las más perfectas canciones de amor) y “Lord is it mine?” que además de contener una profunda tristeza fue una de las sorpresas del show. Pocos esperaban esa canción.
Otras de las agradables sorpresas fueron sus canciones más rebuscadas y progresivas. “Child of vision” y “Fool’s overture”. Ambas estuvieron completas (son canciones que rondan los diez minutos y en sus shows previos solía recortarlas) y sonaron maravillosamente. Hasta incluyeron el discurso de Winston Churchill en “Fool’s overture”. Uno de los mejores momentos y también bastante inesperados fue el de “A soapbox opera”, del disco Crisis? What crisis? de 1975. Del mismo disco también apareció la dupla “Easy does it”/”Sister moonshine” con el público silbando la introducción de la primera (los que no conocen la canción, por favor, no vayan a pensar que hubo silbidos de desaprobación, los silbidos forman parte del tema). El sorprendente show hasta tuvo su momento de conexión espiritual cuando el músico se quedó solo en el escenario con su guitarra para interpretar “Even in the quietest moments”, del disco homónimo de 1977 (que, dicho sea de paso, tiene una de las mejores tapas de la historia del rock) en donde Roger contó el momento de paz y contacto con la naturaleza que estaba viviendo mientras escribía dicho tema.

El público disfrutó del show tanto como Roger, y fue conmovedora la forma en que hubo un crescendo en la efervescencia que le brindó la gente que a su vez conmovió al cantautor inglés. Sin lugar a dudas, el mejor ítem que permaneció igual que en su visita de noviembre y diciembre de 1998 fue su promesa de volver, aunque esta vez aseguró no tardar diez años. No hay razón para no creerle.

Valery Gore – Avalanche to wandering bear

2008-12-22T19:13:00.000-08:00

Hace un par de años Regina Spektor logró un relativo éxito masivo (no será una mega-estrella mundial, pero es bastante conocida) y a partir de aquello comenzaron a aparecer muchas chicas que quieren parecérsele. El caso más claro es el de Kate Nash (aclaro que no tengo anda contra la regordeta británica, de hecho disfruto mucho de algunas de sus canciones) en donde la influencia de Regina se nota a la legua.
A primera vista, el caso de Valery Gore parece ser similar; pero si observamos (y escuchamos) con más atención, notamos que la influencia no baja directamente de Spektor como el caso de Nash, sino que se pueden detectar otras influencias, principalmente del jazz, que separan a Valery del montón de chicas fascinadas por la pianista y cantante rusa.
Si bien el género es el mismo, el estilo es similar, el registro vocal es parecido y ambas tocan el piano de manera deliciosa, no se nota que Valery esté intentando sonar como Regina. Las hermosas canciones de Valery tienen luz propia y en este segundo disco, aparece una fuerte cohesión con su banda (los excelentes arreglos están a cargo de la mismísima Valery), mientras que Regina tiende a destacarse más y mejor cuando está sola.

Las nuevas formas de auto-promoción que ofrece internet, logran que uno desarrolle una simpatía especial por algunos artistas. Se pueden conocer aspectos personales de la vida de éstos, como en el caso de Valery, que en su blog (acá al costado hay un link) pueden leerse cosas tales como que se bajó ilegalmente el disco de Radiohead, que le gustó la publicidad de Mamá Lucchetti o que su padre le está restaurando un viejo auto. Entonces uno siente casi como si estuviera escuchando y juzgando a la banda de un amigo.

El disco en sí, es de lo mejor que apareció en el año y comparte mi podio personal con los álbumes que Sigur Ros y Islands editaron durante el 2008. Para darles un breve paneo de Avalanche to wandering bear les cuento que arranca con “Shoes of glass”, una especie de jazz-pop con un pianito stacatto, una banda sólida que se compone de bajo y batería, más algunos vientos y unos preciosos arreglos vocales a cargo de Valery. Un tema que pinta para hit es “Worried head”, el más upbeat del disco, que incluye una serie de frases ingeniosas y adorables como “without that beautifully worried head there’d just be a bleeding neck” que convierten a Valery en irresistible.
Hay momentos un tanto hipnóticos en el disco, especialmente en “Knife dream”, con una estructura cíclica a cargo de los vientos y en “Sparrow”, donde hay una sección instrumental en la que Valery demuestra lo sabia que es con el piano.
También se pone solemne y melancólica en temas como “Angora” o “Another year”. En este último aparece como protagonista la dulce voz de Valery, cantando cosas casi desgarradoras como "Seems to me it's gotten worse" con una desolación que hiela la sangre. Seguimos con su voz, que en las partes más agudas se quiebra y casi suspira, contrastando con los recursos que utiliza la banda para darle grandilocuencia al tema.
Una de las canciones más interesantes dentro de un disco por demás interesante es “Red eye family”, en el que Val se pone el traje de storyteller y nos relata escenas de la vida cotidiana mezcladas con situaciones dramáticas.
A lo largo de todo el disco la banda suena sólida (atención: ¡no hay guitarras!) y Valery se luce como cantante y pianista, además de lucirse como cantautora. En este álbumes nota una mejoría y un crecimiento respecto de su primer disco (que ya era bueno de por sí) por lo que la carrera de esta chica parece no tener techo. Tiene todo para convertirse en un clásico y cuando eso ocurra, ahí voy a estar yo diciéndoles “yo les dije”

Dudo que encuentren el disco en lugares como el soulseek, el emule o algún torrent, así que no les queda otra que comprarlo o pedírmelo prestado. Pueden escuchar algunas canciones en su MySpace: http://www.myspace.com/valerygore y ahí buscan el link de “buy” y ella misma los atiende y les manda el disco (a mí me llegó en un par de días).

Elton John - The Captain & The Kid

2008-12-09T21:23:00.001-08:00

Elton John es, le pese a quien le pese, uno de los grandes compositores de la historia del rock. Sostener este argumento no es tarea fácil y Elton no ayuda, especialmente con muchos de sus trabajos realizados en los 80s y algunos de los 90s y con la espantosa y desacertada decisión de cambiarle la letra a “Candle in the wind”, ajustándola a la muerte de la princesa Diana. No solo arruinó una preciosa dedicatoria a Marilyn sino que logró una sobre-exposición que ningún tema debería recibir. También cometió atrocidades tales como “Don’t go breaking my heart” junto a Ru Paul, lo admito. Ahora, no hay nada que pueda hacer Elton que borre las cosas que escribió en el pasado. Es el orgulloso responsable de discos como Goodbye yellow brick road o Captain Fantastic & the brown dirt cowboy, por nombrar solo un par.
Pero algo ocurrió (ocurrieron los 80s, está claro) y Elton empezó a entregar buen material con cuentagotas. Hasta que se cansó. Cuenta el propio Elton John que después de escuchar a Ryan Adams se dijo a sí mismo que él tenía que ser capaz de escribir buenas canciones otra vez y se propuso hacer un disco digno o retirarse. Una última oportunidad de ser el Elton que el mundo conoció a través de himnos como “Someone saved my life tonight”, “Your song”, “Tiny dancer”, “Daniel”, “Rocket man”, “Sorry seems to be the hardest word”… podría seguir y la lista sería infinita, pero se entiende la idea: Elton es un genio y buscaba confirmarlo.
La apuesta le salió bien y compuso un disco a la altura de sus grandes clásicos (Songs from the best coast, 2001, donde incluye la serie de videos clips con auto-homenajes), un par de años más tarde confirmó que había vuelto al buen camino con Peachtree road y en el 2006 le puso la frutilla al postre: The Captain & The Kid.
Cuenta con su viejo amigo Bernie Taupin (The Kid) para ponerle letra a diez canciones maravillosas que nos regala el Captain Fantastic. Está claro que a esta altura, Elton no va a inventar nada ni va a marcar ninguna dirección hacia donde el rock deba ir (de eso ya se encargó en los 70s), simplemente va a escribir buenas canciones.
El álbum comienza con un tema bastante politizado aunque anacrónico, “Postcards from Richard Nixon”. No cuesta mucho adivinar de qué trata, pero es interesante notar la crítica de Elton hacia los Estados Unidos en algunos temas, y la reivindicación de las tierras del norte en otros, como lo hace en la balada “Wouldn’t have you any other way (NYC)”, donde resalta todas las bondades de la ciudad que lo adoptó y cautivó.
En estas canciones Elton hace sobresalir al piano. Como en los mejores momentos de su carrera, su instrumento es el que comanda las canciones, es el suelo sobre el que descansan, y permítanme decir que nadie toca como él. También aparecen las armonías vocales que había dejado olvidadas en los 70s, donde se lucen su baterista y su guitarrista, Nigel Olsson y Davey Johnstone (quienes lo acompañan prácticamente desde el comienzo de su carrera), respectivamente, tal como lo hacían allá por la década dorada de Elton. “Tinderbox”, una de sus mejores canciones, es en donde más se nota esto.
Otro tema para destacar es “Blues never fade away”, otra balada típica de Elton, en la que le dedica una estrofa a su amigo John Lennon: “He shone so bright with a lust for life like the Sun King that he was…”
A través de todo el disco continúan sucediéndose canciones sólidas hasta llegar al final, en el que aparece el tema que da título al disco: “The Captain & The Kid”. Sobrevuela el espíritu de Captain Fantastic… gracias a las referencias a su pasado que Elton y Bernie cantan y escriben: “Shaped our futures, you a Tumbleweed and me on a Yellow Brick Road” o “To turn you into the Brown Dirt Cowboy and me into a Rocket Man”.
Tenemos que agradecer que el nuevo siglo vio a Elton John amigarse con su pasado y celebrarlo, pero no aferrándose a él, sino proponiendo nuevas cosas de gran calidad. Si para apreciarlo tuvimos que soportar sus baches ochentosos, bienvenidos sean, ¿o no dicen, acaso, que la paz no tendría sentido si no conociéramos la guerra?

Personal Fest 2008 (REM, Spiritualized, Kaiser Chiefs y un par de etcéteras)

2008-11-02T16:34:00.000-08:00

El Personal Fest, con el paso de los años, se ganó mi respeto por pasarle el trapo al resto de los festivales que se llevan a cabo en Argentina (Cosquín y Pepsi, por ejemplo). La organización suele ser excelente (en ambas fechas los horarios se cumplieron con más precisión que un tren inglés), el predio es agradable y los artistas son de primer nivel.
Estuve en el Club Ciudad ambos días. La primera diferencia fue la cantidad de gente de un día respecto a otro. El viernes se podía transitar libremente por el predio, ir de un escenario a otro, comprarse una hamburguesa, pasar por el baño o detenerse en los stands a comprar discos, remeras y hasta un libro de Narda Lepes. El sábado pasó todo lo contrario, la inmensa multitud hizo imposible eso de moverse demasiado y lo mejor era conseguir una buena ubicación en alguno de los escenarios y apostar a cuidarla.

Viernes 31
Llegué temprano, con la idea de familiarizarme con el predio, a fin de optimizar la oferta de bandas y sincronizar los horarios lo mejor posible.
Recibí la famosa vincha-corbata de Capusotto, la guardé en mi bolsillo (no daba usarla) y me puse a inspeccionar el práctico folleto con la grilla de horarios y el mapa del lugar.
Pude ver un rato de Tony 70 y Entre Ríos, de los cuales me quedó una buena impresión, especialmente de los segundos. También vi un par de canciones de Los Pericos (que cada día están más jóvenes, más rockeros y con peinados punk) y el set casi completo de Massacre. Éstos últimos me sorprendieron para bien. Nunca les había prestado atención y esperaba un metal argentino espantoso a la manera de Almafuerte, pero me encontré con un rock bien cuidado, potente y creativo.
Después llegó la primer banda internacional de la mano de !!! (conocidos o pronunciados como Chk chk chk, bastante molestos para elegir su nombre). El cantante es un payaso que se la pasa bailando de forma escandalosa y poniendo caras graciosas. Lo que ofrece esta banda es una especie de base funk con los cantantes (el payaso mencionado unas líneas más arriba y una negra de voz potente) hip-hopeando encima. Es bastante interesante verlos en vivo, y ciertamente son originales, aunque no pertenezcan a un género que normalmente me pondría a escuchar.
Previa hamburguesa con Pepsi, llegó el turno de los primeros grossos. The Jesus & Mary Chain con su post-punk/pop oscuro dieron un show sobrio, un tanto monótono si uno conoce solamente los dos primeros discos, pero de todas formas se pudo disfrutar de temazos como “Happy when it rains” o “Some candy talking” con interpretaciones cuidadas y prolijas.
Entonces empezó el punto cumbre de la noche. Supe irme rápido al escenario de Spiritualized y conseguir un lugar apoyado en la valla para disfrutar de cerca de esta gigantesca banda inglesa. De comienzo a fin presentaron sus paisajes oníricos y etéreos con la máquina de humo funcionando casi todo el tiempo. Potentes y sutiles a la vez, hicieron un repaso de sus mejores temas incluyendo joyas como “Ladies and gentlemen we are floating in space” y “Come together”, además del hit de su nuevo disco “Soul on fire”. El final fue deslumbrante con la banda colgada en un acorde durante un par de minutos y los flashes atacando al público que sólo podía mirar y escuchar atónito.
A los pocos segundos de terminado el show de Spiritualized, comenzó en el otro escenario el set de The Offspring por lo que tuve que huir a toda velocidad hasta el escenario donde estaban tocando The Draytones. Había investigado un poco de qué se trataba esta banda y me encontré con un argentino que se fue a Londres y formó este grupito que tocan prácticamente igual que los Beatles en su primera etapa (los 3 ó 4 primeros discos). Más allá de su anacronismo, los pibes tocan realmente bien y dieron un show potente. Tienen un baterista que es tanto o más simpático que Ringo. La sorpresa fue cuando presentaron a un invitado “que fue una gran influencia para nosotros” y el mismísimo Lito Nebbia subió al escenario para interpretar junto a los chicos un puñado de canciones de Los Gatos Salvajes. Así terminó el primer día del Personal Fest.

Sábado 1
Pasé todo este día encontrándome y desencontrándome con amigos y conocidos. Como adelantaba al comienzo, la gran diferencia entre una fecha y otra fue la cantidad de gente, por lo cual se volvió incómodo el tránsito por el predio y decidí sacrificar las bandas “chicas” de los escenarios “chicos” y me fui directo a lo “grande”. Los puestos de comida, los baños y los diferentes stands, estaban demasiado llenos como perder tiempo en eso.
Sufrí los últimos momentos de Mole, la banda de Charly Alberti, y sufrí el set completo de Emmanuel Horvilleur, esperando la primera banda que me interesaba ver: The Mars Volta. Sin dudas, son una banda recontra técnica y sin dudas los tipos tienen mucho talento para tocar, pero lo que hicieron me resultó insufrible. Hay demasiadas cosas pasando al mismo tiempo, muchas influencias detectables al mismo tiempo, mucha velocidad, mucha precisión, pero todo eso conforma una bola de ruido insoportable. Me quedó la sensación de haber escuchado una canción larga, sin pies ni cabeza, en donde no era importante lo que tocaban. Si hubiesen tocado otras notas, hubiese sido exactamente lo mismo, no hay nada especial en Mars Volta.
Por esa razón me acerqué al escenario donde iban a tocar los Bloc Party quienes cumplieron con un show bastante agradable, que me dio ganas de investigar un poco a la banda.
Después llegó uno de los dos números más esperados del día (por mí, claro), los simpáticos Kaiser Chiefs. Hicieron un buen primer disco (Employment) y después decayeron un poco (un síndrome que detecto en varias bandas inglesas nuevas, queman todas las naves en su primera entrega y después se desvanecen), pero su show fue potente, lleno de melodías bien cuidadas y con algunas desprolijidades humanas que contrastan con los robotitos de Mars Volta. Así da gusto ver un show.
Para el final llegó REM, que brindó un show absolutamente brillante, con Michael Stipe cantando como siempre y la banda sonando a pleno. Repasó muchos de sus hits (no faltaron “Everybody hurts”, “Losing my religion” y “Man on the moon”), presentaron algunos de los temas nuevos (como el efectivo “Man-sized wreath”, dedicado a Bush, previo a haber declarado su simpatía por Obama), y hubo momentos hermosos como el de “Nightswimming” (una de mis favoritas personalmente) en donde los tres miembros de REM quedaron solos, alrededor del piano, interpretando una de sus canciones más logradas (lo cual es mucho decir).
Las pantallas de fondo mostraban imágenes en vivo distorsionadas en diferentes colores, demostrando el buen gusto que les suele faltar en las espantosas tapas de sus discos. Otra cosa para destacar es la genial comunión entre la banda en general y Michael en particular con el público. Un frontman más que carismático al que tuvieron que llevarse arrastrando del escenario. It’s the end of the show as we know it. And I feel fine.

The Decemberists - The crane wife

2008-10-21T09:34:00.000-07:00

Hay pocas bandas que ofrecen algo realmente nuevo. The Decemberists, claro, no es una de ellas (¿qué esperaban?). Pero sí tienen el mérito de ser creativos, lo suficiente como para destacarse dentro de la escena indie del norte.
Se formaron en el 2001 en Portland, Oregon, y cuentan con un puñado de discos sólidos, con un nivel sorprendentemente parejo y con una evolución que nos trae hasta The crane wife, editado en 2006, y considerado –por mí- su disco más completo.
El líder de la banda es un tal Colin Meloy, cantante y guitarrista, que se ganó mi respeto al declararse fanático de Robyn Hitchcock (hasta hizo un disco como solista con canciones de Robyn), y mantuvo ese respeto gracias a sus propias canciones (es quien escribe todas las canciones de la banda).
El resto de la banda se completa con Jenny Conlee (teclados), Chris Funk (guitarra), Nate Query (bajo) y John Moen (batería). Pero no confíen demasiado en esa configuración clásica y esquemática, cada uno toca una lista de instrumentos bastante extensa (se escuchan cellos, banjos, acordeones), y encima, todos cantan.
Hacen una especie de folk-progresivo con elementos del indie norteamericano (Estados Unidos y Canadá). Digo “progresivo” porque aparecen en sus canciones formas olvidadas y hasta repudiadas como las canciones largas en forma de suite y los “solos” de teclado (por supuesto, el maravilloso Moog), también manejan diversos climas y ritmos dentro de sus temas.

La temática de las canciones (y no me refiero sólo a The crane wife, sino a toda su discografía. Si no me creen, vean el video de “Sixteen military wives”) suele referirse al pasado de los Estados Unidos, especialmente a la guerra civil, y suele criticar todo lo que defienden los republicanos, sumando simpatía en el resto del mundo.
Vamos al disco. Comienza con “The crane wife 3”, un simple “tema Decemberists”, con la guitarra acústica de Colin haciendo de base de la canción y la banda, nítida, que se va agregando. Suelen repetir esta estructura seguido, es cierto, pero es verdad también que cada canción tiene algo único que la distingue.
Sigue el disco con “The island”, una de las suites que incluye los temas “Come and see”, “The landlord’s daughter” y “You’ll not feel the drowning”. El tema cuenta con una larga introducción y, sorprendentemente, la voz de Colin Meloy, después de 12 minutos y a pesar de ser nasal y monótona, no aburre ni molesta.
En “Yankee bayonet (I will be home then)” aparece Laura Veirs como invitada, haciendo un dúo muy interesante, con un aire melancólico.
“O Valencia!” es el hit, un tema con potencia, que habla sobre una trágica historia de amor al mejor estilo Romeo y Julieta, pero con la mafia involucrada. Busquen el video en YouTube para mejor referencia.
Seguimos con “The perfect crime #2”, uno de los temas más flojos del disco que logra lo que no logra el resto del álbum: aburrir. Hasta es insoportable el final donde Colin repite “the perfect, the perfect, the perfect…” hasta el hartazgo.
Enseguida repuntan con “When the war came”, “Shankill butchers” y “Summersong”, todas canciones agradables que nos llevan hasta “The crane wife 1 & 2”, lo mejor del disco, sin lugar a dudas. Dos canciones pegadas, donde la primera se desarrolla en un crescendo constante con los instrumentos que se van sumando a la causa: primero la guitarra, el cello, el hammond, el bajo y la batería hasta llegar al clímax. La segunda canción es más tranquila, con ciertos aires reflexivos y un dejo de resignación (a esta altura hay que decir que las historias de Decemberists suelen terminar mal), pero inmensamente bella. Hay un gran trabajo de percusión sobre el final.

Para cerrar el disco dejan “Sons & daughters”. Nuevamente utilizan el recurso que fue llevado a su máxima expresión por Ravel en su famoso “Bolero”, crescendo constante e instrumentos que se suman, pero esta vez se detienen en un canon. Si hasta este momento no había dicho nada del trabajo vocal del grupo, es porque me guardé todo para este final. Sus voces se superponen con delicadeza durante el mencionado canon y con fuerza en el final, donde todos juntos se despiden con un esperanzador “hear all the bombs, they fade away”.

Definitivamente, The Decemberists es una banda para tener en cuenta. Tienen una evolución lenta pero constante, a diferencia de ciertas bandas inglesas que queman las naves en su primer disco y después se quedan sin inspiración y se disuelven o se vuelven intrascendentes (Bloc Party, Kaiser Chiefs, The Zutons, por nombrar algunos). Además, Colin Meloy es un gran cantautor, de esos que te dan ganas de convertirte en uno.

Gary Brooker - Echoes in the night

2008-09-11T21:31:00.000-07:00

Les presento una nueva entrega del “mundo Procol Harum”. En esta ocasión es el tercer y último trabajo de estudio como solista de Gary Brooker, piano y voz de la banda.
Este disco tiene un significado especial para mí dado su carácter de inconseguible. Hoy puede sonar ridículo, pero hace menos de diez años este disco era, literalmente, inconseguible, y eso le dio un estatuto de misterio oculto inaccesible, de tesoro guardado bajo siete llaves que, sumado al título del álbum y al bagaje de obras de Gary Brooker que ya conocía, lo convirtieron en el mejor disco de la historia del universo aún antes de haberlo escuchado, y el día que lo consiguiera iba a ser el día más feliz de mi vida.
Eventualmente llegó el día en que pude acceder al disco, y si bien era difícil cumplir con mis expectativas, el disco me conformó sobradamente. La calidad compositiva de Gary estaba intacta, sólida como siempre y el disco cuenta con un par de canciones que se ubican entre lo mejor que conocí del brillante y desconocido músico inglés.
A todo esto hay que sumarle la participación de Keith Reid, que volvía a escribir las letras de las canciones de Gary, el aporte del genial B. J. Wilson en la batería y el retorno del traidor de Matthew Fisher tocando el Hammond y re-escribiendo el mismo tema de Bach un par de veces más (y van…).
Otro motivo por el cual valoro este disco es que se trata del primer paso para el reencuentro de Procol Harum que tendría lugar unos años después.
Para analizar el disco hay que tener en cuenta que se editó en 1985, por lo cual no escapa a algunos de los vicios de la época (encontramos baterías sintetizadas, teclados “gélidos” y hasta alguna balada empalagosa), pero éstos no logran empañar el resultado final de la obra.
Hay canciones como “Count me out” o “Hear what you’re saying” que difícilmente hubiesen aparecido en un disco de la primera etapa de Procol Harum, hay otros como “Saw the fire” o “Echoes in the night” (con Eric Clapton como guitarrista invitado) que nos recuerdan a los antiguos trabajos de la banda, pero aggiornados a su tiempo. Tenemos también la balada empalagosa a la que me refería antes, “Two fools in love”, que parece un intento desesperado de obtener un gran éxito (el tema fue lanzado como single en una versión a dúo con una mujer –Lori Spee- tanto o más desconocida que Gary), pero que termina siendo una preciosa canción. “The long goodbye” se convirtió en uno de los himnos en las giras de Procol Harum posteriores. Son pocos los temas solistas de Gary que aparecieron en vivo en los recitales de la banda, cosa que le da un valor extra a las versiones en vivo de esta canción.
“Mr. Blue Day” es, sin dudas, uno de los puntos más altos de Echoes in the night. Una canción solemne donde aparece Gary con su piano, acompañado por una orquesta filarmónica, demostrando por qué es una de las personas que mejor amalgamó el sonido del rock con el de la música clásica.
Para cerrar el disco aparece el nostálgico “Trick of the night”, un tema que contiene toda la magia y el espíritu del Procol Harum más melancólico, pero en este caso se nota una madurez que no había entonces.
Pero la joya del disco es “Ghost train”. Si alguien les pregunta qué es una canción perfecta, ustedes digan “Ghost train”. Se trata de una poderosa historia que nos cuenta sobre un asesino serial (“…So parents find your children, keep them safe indoors…”) en donde la dupla Brooker/Fisher se luce en los teclados y B. J. Wilson realiza lo que bien podría ser el mejor trabajo de percusión de toda su vida. Nos encontramos ante una canción que no se merecía pasar desapercibida en el mundo, al igual que su creador y gran parte de su obra.

"There's a song you might remember, it was played a thousand times"

Alarma: La Mega censura a La Perra que los Parió

2008-09-02T10:59:00.000-07:00

Una banda amiga, La Perra que los Parió, sufrió una censura en la radio de Daniel Hadad (irónicamente, del lado izquierdo del dial), Mega 98 y pico (no me importa, hace rato que no escucho radios, básicamente porque son todas una basura, menos Amadeus 103.7). No sé exactamente cómo pasó, pero les iban a pasar una canción y una nota para promocionarse y de pronto decidieron no hacerlo. Aclaro que la banda tiene cierta inclinación hacia la justicia social, cosa que va en contra de todos los principios de Hadad.
La cosa es que había muchos fans esperando la nota, morfándose a los boludos que pasan a Vivencia todo el día, y se quedaron sin nada (si a mi me prometen una nota de, digamos, Robyn Hitchcock, y después me la censuran, ¡les quemo la radio les quemo!). Además, jugaron con la ilusión de la banda de salir en una radio que llega a más gente. Cómo si esto fuera poco, parece que la misma gente de la radio es la que maneja el tema del fucking Pepsi Festival y tampoco van a poder tocar ahí (cosa que se habían ganado en buena ley con los votos de la gente).
Los responsables de semejante rolandograñada son los que hacen Los Reyes de la Noche y el director artístico de la radio, Ricky Valdez. Aquí les dejo formas de comunicación para todos los que quieran mandar saludos y felicitaciones a tan buena gente:

Teléfono (de 20 a 24 hs.): 4535-4201/ 4535 - 4200
mail: reyesdelanoche@infobae.com

Y a los amios de La Perra, sigan así, no necesitaron de ninguna radio masiva para editar tres discos y llenar cualquier lugar donde toquen.

Procol Harum – Home

2008-08-25T15:07:00.000-07:00

Hogar, dulce hogar. Home, de 1970, es el disco más oscuro de toda la carrera de Procol Harum. A pesar de su arranque rockero con “Whiskey train” y su final alegre y esperanzador de la mano de “Your own choice”, lo que hay en el medio es muerte, tristeza, dolor, y muerte un par de veces más.
Repasemos un poco de dónde salió esta banda. Provienen geográficamente de Inglaterra y temporalmente de los maravillosos 60s. Aparecieron en pleno auge de la psicodelia y mientras comenzaba a gestarse el movimiento que más tarde se llamó rock sinfónico o progresivo. Su primer hit, “A whiter shade of pale”, vendió infinitas copias y jamás volvieron a tener un éxito comercial de ese tipo, o de cualquier otro tipo. Pero sí tuvieron éxito artístico con una brillante carrera, que duró diez años ininterrumpidos, y 30 años más constantemente interrumpidos.
Este disco llega en un momento clave de la historia de la banda, había perdido a Matthew Fisher, tecladista (“hammondista”, para ser precisos), quién era el “segundo” detrás de Gary Brooker (pianista, cantante, compositor y alma de Procol Harum). También había abandonado el barco el bajista, pero eso no le importa a nadie. Para remplazar a ambos llegó Chris Copping, bajista de la antigua banda de Brooker (The Paramounts) que también podía tocar (pobremente) el hammond. La banda quedó conformada como cuarteto por única vez en su historia (además de Gary y Chris, estaban B.J. Wilson, el mejor baterista de la historia, y Robin Trower, un guitarrista bastante blusero, que pronto abandonaría la banda para dedicarse a su carrera como solista).
Otra característica distintiva de la banda es que tiene a alguien fuera de Procol Harum que les escribe las letras, alguien que ni siquiera es músico. Keith Reid, poeta y amigo de Gary, es el encargado de la parte lírica de toda la carrera del grupo.

Cómo les adelantaba más arriba, el disco tiene un comienzo bastante “up”. “Whiskey train”, que se convirtió en una de esas canciones-emblema de la banda, cuenta con un riff potente, a cargo de Trower, sobre el que se sostiene todo el tema.
La otra canción-emblema del disco es la épica “Whaling stories”, que nos cuenta sobre la dura vida en el mar (una especie de “A salty dog”, pero menos triste y más dramática) con todos los ingredientes de una ópera-rock resumidos en siete minutos (llega a nueve en las mejores versiones en vivo): un comienzo tranquilo, un crescendo potente, un solo, una falsa calma, una nueva explosión apoteótica y la calma final.
“Still there’ll be more” y “Piggy pig pig” son canciones bastante simpáticas (dentro de lo que es el disco, claro está). La primera contiene un dulce mensaje navideño, vaya uno a saber a quién está dirigido “...I’ll waylay your daughter and kidnap your wife, savage her sexless and burn out her eyes...” (me recuerda a lo que nuestro Charly hizo 20 años más tarde con “Chiquilín”). En la segunda Gary nos muestra lo buen pianista que es. Saca adelante uno de los mejores (y lamentablemente olvidados) temas de la banda.
Pero lo que distingue al disco son las canciones desoladoras. “The dead man’s dream” es la peor pesadilla que uno se puede imaginar, Keith Reid nos describe un extraño sueño, que tiene lugar en un cementerio y explora los miedos más profundos del alma, con el que Freud se haría un banquete. Todo acompañado por la tenebrosa música de Gary Brooker.
Otro de los puntos deprimentes del disco es “Nothing that I didn’t know”, una nueva melodía triste y desoladora sobre una chica que murió a los 26 años de, conjeturo, alguna enfermedad espantosa: “...did you see how thin and pale she grew?”.
Pero el colmo de la depresión llega con “Barnyard story”, una canción que nos deja la exquisita sensación de que la vida no tiene ningún sentido, después de que alguien lo tenga todo “...once I stood upon Olympus...” y termine sin nada “...maybe death will be my cure...”. La voz de Gary Brooker suena desgarradora y con un dejo de resignación que le imprime y potencia al tema esa sensación de angustia de la que hablaba.
Home fue la forma que tuvieron Gary Brooker y compañía de salir del difícil momento de perder a uno de los miembros fundamentales y continuar sin fisuras, entregando sólidos trabajos, aunque el éxito comercial se les haya negado recurrentemente.

Islands

2008-08-08T23:49:00.000-07:00

Parece que en Canadá hay mucha gente inspirada últimamente. Islands forma parte de toda la movida que comenzó con Arcade Fire y compañía. De los efímeros The Unicorns se desprendieron cantante (Nick Diamonds) y baterista (Jamie Thompson) para formar una isla y volver al mar. Uno escucha el único disco de The Unicorns (Who will cut our hair when we’re gone?, 2003) y piensa: "ok, son buenos, talentosos, tienen lindas canciones... ¿pero pueden hacer algo en serio?, ¿O son tan indies que no se bancan un disco pulido y presentable?"

Return to the sea (2006) es su forma de cerrarme la boca. Contiene el espíritu de su vieja banda pero suena más profesional, cosa que no incide en la calidad artística de la música. El disco está plagado de melodías pegadizas, una rica instrumentación, un baterista que se la pasa adornando las canciones y un cantante que es un verdadero storyteller. Las letras de Diamonds pueden no ser grandiosas, pero la forma en que canta seduce a cualquiera. Habla de catástrofes naturales con una naturalidad catastrófica:

"Things are going to change

A hot rain falls made of magma melts Alaska

And in icy Argentine they say ‘now I've seen it all’

Who knew? Volcanoes!"

¡Y nos nombra! ¡Me caen bien estos tipos! También me hicieron acordar a los loquitos de Arcade Fire que quedaban enterrados bajo la nieve en su primer disco.

"Swans (life after death)" es el majestuoso comienzo del disco. Casi diez minutos de ascensión al cielo in canadian style.Hacia el final de la canción el tema se va solidificando y lo terminan con un potente y monumental solo de guitarra. Le sigue "Humans", "Don’t call me Whitney, Bobby" y "Rough gem", todas desquiciadas en su estilo. Nick se pone romántico cuando llega "Jogging gorgeous summer" y canta sobre una base hawaiana “Millions of sunsets, but the one I’ll remember is the one where you told me you’d love me forever”.

Para el final del disco hay una especie de "Set the controls for the heart of the sun" de Pink Floyd.

El buen año de 2008 (discazo de Sigur Rós, disco digno de Coldplay, próximo disco de Marillion, Jarvis Cocker y Muse en Buenos Aires) nos trae su segunda entrega, Arm’s way.
Ahora Nick Diamonds se llama Nick Thorburn y el resto de la banda cambió casi por completo, pero la calidad continúa intacta, el disco sigue por la senda de su predecesor, con unos toques más rockeros y con canciones un poco más estructuradas. La instrumentación sigue siendo rica y variada, pero en este caso predominan las cuerdas y la percusión, además de la guitarra de Nick.
Si bien es imposible superar la majestuosidad de “Swans (life alter death)”, que abría su primer disco, Islands está a la altura de las circunstancias con “The arm”, un tema en crescendo constante sobre un accidente automovilístico, con muerte al final y todo (el morbo de estos tipos es interminable, hay pedazos de cuerpo humano en casi todas sus canciones).
Como buenos nativos de Montreal tienen su canción con título en francés, “J’aime vous voir quitter”, donde hay un quiebre de sus riffs rockeros para dar aparición a un ritmo caribeño reminiscente de algunos tramos de Return to the sea.
“Abominable snow” es uno de los puntos altos del disco. Es un tema compuesto en la época en que aún eran The Unicorns y que varias veces presentaron en vivo. Un tema que se convirtió en clásico antes de aparecer en forma oficial. Por supuesto que tiene con qué.
En la mitad del disco aparece lo mejor que Islands tiene para ofrecer. El tándem “Life in jail”/”In the rushes” es de lo mejor que hizo la banda en su carrera. El primero consta de dos secciones, la primera lenta, triste y desgarradora (literalmente, lean: “…first break the skin, next open the wound, now force your fingers in, then here’s what you do: climb inside the vein and find some heart…”), la segunda parte se acelera con otro ritmo caribeño pero no tanto y unas frases alentadoras del estilo “…there’s nothing to live for, unless you live a little more like you’re going to die…”. “In the rushes” se lleva todos los aplausos. Oscura y potente como pocas, Nick canta hasta que su voz alcanza el punto de casi quebrarse durante siete minutos demoledores. Para el final rinden homenaje a The Who con el último tramo de “A quick one while he’s away”.
A partir de ahora el disco decae un poco, pero no es culpa de que los últimos cuatro temas no sean buenos, sino que los anteriores son demasiado impactantes (quizás hubiera sido conveniente dejar lo mejor para el final).

No me quedan dudas que Islands es una de las mejores bandas del momento, tienen todo lo bueno de la escena indie (originalidad, creatividad, individualidad) y nada de lo malo (esos rasgos absurdos que harían un personaje memorable de Peter Capusotto).

La pasión según Bach

2008-08-01T12:54:00.000-07:00

Si alguien me hace dudar sobre la existencia de Dios (al que considero, al menos en su versión antropomórfica, improbable), ese alguien es Johann Sebastian Bach. Otros pueden conmoverme con su devoción religiosa (pienso en George Harrison, Roger Hodgson o Paul Simon) pero Bach me hace pensar que un Dios es posible, o que lo era en el siglo XVIII, y que su música nos acerca a esa entidad espiritual.
La excusa para referirme a Bach es una de sus suites orquestales, la número 3 en Re Mayor, la que contiene su hit single que seguramente estuvo en los primeros puestos de los todos los charts barrocos en el primer cuarto de siglo del 1700: “Air on a G string”, que fue el tema que inspiró a Procol Harum a componer su único pero masivo éxito, “A whiter shade of pale”. Quienes me conocen saben lo que significan tema y banda para mí.
Sólo se necesitan poco más de veinte minutos para escuchar esta obrita. La versión que recomiendo es la de la Academy of St. Martin in the Fields dirigida por Neville Marriner, pero si van a buscar su propia versión les dejo un par de pistas: seguramente la encuentren acompañada por sus otras suites orquestales, valen la pena, especialmente la 1 y la 2; busquen una orquesta apropiada para la ocasión, una sinfónica o filarmónica pueden tener demasiado volumen (no me refiero a potencia de sonido, sino a “espesor”); si el sello es de renombre (Deutsche Grammophon, EMI Classics, Sony Classical, Naxos) se aseguran un mejor sonido; y si el segundo movimiento (Air) dura más de seis minutos, está demasiado aletargado, ni se molesten.

Esta suite se compone de cinco o seis movimientos (algunos dividen la gavotte en dos), a saber:
1. Overture
2. Air on a G string
3. Gavotte I & II
4. Bourrée
5. Gigue

La música de Bach suele estar rodeada de misterio y misticismo, pero en estas suites aparece un cambio, se puede notar un aire de alegría y elegancia digna de la corte más próspera. La obertura tiene toda la pomposidad permitida en la época, al igual que la giga del final: apertura y cierre a toda orquesta, hasta Bach se daba esos gustos a veces. Se reserva todos los aires bachianos para el aria, como dije hace unas líneas, el tema conocido por todos, ya sea de alguna propaganda u película. La melodía más hermosa de la historia de la música. Y acá encuentro la virtud más sobresaliente del músico. Eso que, además de la ventaja cronológica (no hay nada que hacer, Bach llegó primero), lo ubica por sobre sus dos “rivales”. Me explico, rozando los límites de la blasfemia. Mozart y Beethoven eran genios, pero su inspiración los llevaba a romper las reglas. Qué vivos, así cualquiera es genio. El mérito de Bach reside en ser genio, y al mismo tiempo respetar los cánones establecidos (muchas veces por él mismo, es cierto), sin resignar nada, sin hacer concesiones. Un río que fluye armoniosamente por su cauce sin rebalsar una gota. Y logró eso miles de veces, literalmente, ya que tiene más de mil obras escritas, además de las incompletas y las que se perdieron para siempre. (Acá viene un paréntesis bastante largo sobre cómo se rescataron muchas de las obras de Bach. Resulta que a Felix Mendelssohn Bartholdy, un músico alemán romántico que vivió bastante poco, le gustaba mucho la carne y la compraba en un lugar que estaba sobre lo que había sido la última residencia de Bach, donde todavía permanecían algunas de sus obras que los carniceros –nunca mejor utilizada la palabra- usaban para envolver su mercadería. Menos mal que el buen Felix compraba ahí y se avivó a tiempo.)
Si querían una crítica objetiva sobre JS, no la van a tener, no es mi culpa si cada vez que lo escucho, oigo celestialidades.

Muse – 24/07/08 – Gran Rex

2008-07-27T20:57:00.000-07:00

Hay pocas bandas a las que se les perdona la grandilocuencia, la pomposidad, la extravagancia. Queen es un claro ejemplo, y la razón que los salva es que si les quitamos todos esos atributos wagnerianos, queda una muestra de inspiración y calidad que es de lo mejor que dio la historia de este movimiento que llamamos rock.
Por otro lado, tenemos a la dupla Meat Loaf/Jim Steinman que, lisa y llanamente, se zarpan. Para ellos todo, desde una muerte en un accidente en moto, hasta un baile de graduación (no hay forma de escribir “baile de graduación” sin asociarlo con una pésima película adolescente yanqui), es el fin de los tiempos.
Muse logró, con el paso de los discos (especialmente en la transición Origin of Symmetry/Absolution a Black Holes and Revelations), consagrarse como banda “grande”. Los resultados de su última producción pueden ser discutibles, pero la banda logró impunidad para hacer lo que quieran. En un mismo álbum pueden convivir un hit al estilo Prince -con un falsetto que roza lo molesto- y un puñado de temas con la mejor combinación Nirvana/Radiohead que se puede llegar a hacer.
Hay que decir que Matthew Bellamy es un geniecito. Es quien escribe toda la música de la banda, además canta, y como si esto fuera poco, toca la guitarra y el piano, y es un virtuoso en ambos instrumentos. Sus secuaces, Dominic y Chris nosecuanto, no se quedan atrás en sus funciones de baterista y bajista respectivamente, conformando una banda simplemente demoledora.
Con todo este Pedigrí llegó Muse a Argentina y brindó dos shows sublimes en el teatro Gran Rex.
El set-list no varió mucho de lo que es su última entrega discográfica, H.A.A.R.P., o sea que no hubo sorpresas. No tuvieron inconvenientes en hacer el traspaso de mega-concierto en estadio a mini-mega-concierto en teatro. Adaptaron -con sabiduría y buen gusto- luces, pantallas, papel picado, humo y globos gigantes.
El sonido de la banda en vivo es impecable, además de los tres músicos hiper-técnicos, había otro tipito con unas máquinas disparando pistas pregrabadas con tanta precisión como el resto de los músicos.
Así transcurrieron hits intercalados con sus temas menos conocidos, que la gente (con el establecimiento definitivo del download y los mp3) coreaba casi por igual. De todas formas, los más festejados fueron “Invincible”, “Time is running out” y, por supuesto, “Plug in baby”. Pero lo mejor de la noche fue cuando Matt se sentó al piano para interpretar consecutivamente “Butterflies and hurricanes” (con solos para todos los gustos en el medio), “Apocalypse please” (quizás el tema más trágico y conmovedor del grupo) y “Space dementia” (el título lo dice todo). Insisto: es sorprendente que Matthew sea tan buen guitarrista como pianista.
Además del falsetto del cantante, la otra cosa que puede llegar a incomodar son los “lujos” que “tira” Bellamy con su guitarra (el equivalente en fútbol a un caño, una rabona o un taquito innecesario). No aportan demasiado a los temas y no impresionan a nadie, así como tampoco su guitarra con luces o su otra guitarra con espejos.
De todas formas son detalles que no empañan la brillante actuación de una de las bandas más importantes (y mejores) de la escena inglesa. El verdadero lujo fue haberlos tenido en Buenos Aires.

Marillion - Crash course

2008-07-17T09:15:00.000-07:00

¡Buenas noticias! ¡Marillion está regalando un disco!
¿Quién diablos es Marillion? Preguntarán ustedes… Para aquellos indoctos en la materia, Marillion es una banda inglesa de los años 80 que en sus comienzos fue emparentada con Genesis (y con razón). Pero la cosa fue mutando y se convirtieron en una banda con sonido propio, cercanos al rock progresivo en ciertos aspectos, pero también con influencias de bandas más oscuritas como The Cure, climáticas como Talk Talk o modernas como Radiohead.
Hace unos años que estos tipos están inventando formas innovadoras de vender sus discos sin caer en las garras de las multinacionales ni en los perjuicios del free download. Al comienzo del siglo, se les ocurrió pedirle a los fans que compren el disco antes de hacerlo, y con esa plata poder lanzarlo. Les salió bien, así que lo repitieron con Marbles en el 2004 y ahora, con el disco próximo a salir, Happiness is the road (yo pude comprar los dos últimos de esa forma).
Una de sus formas de venderse (queda mal esta palabra, pero ustedes entienden) es dando a conocer su música. De hecho, si esto fuera proporcional con la calidad de la música, no habría mejor forma de venderse.
Lo que hacen entonces es regalar un disco. Entiendan bien, no es que se pueden bajar el disco (de hecho, pueden) sino que les mandan un disco a su casa con el simple hecho de hacer clic en el link de abajo, ir al botón verde que dice “Gimme!” y llenar algunos datos.

http://www.marillion.com/music/racket/crash.htm

El disco, llamado Crash course (“Curso intensivo”, nombre más que apropiado), está integrado por algunos temas de la última etapa de la banda en orden cronológico inverso. Arranca con dos temas de Somewhere else (2007), “Faith” y “Somewhere else”, dos temas muy tranquilos e íntimos, en mi opinión, no es la mejor forma de empezar un disco, pero a caballo regalado no se le miran los tracks.
Sigue lo que es quizás, el mejor tema que compuso Marillion en toda su historia: “Neverland”, un tema imponente de principio a fin, de una belleza sublime y con una letra (y una forma de cantar de Steve Hogarth) conmovedora. Este tema pertenece a Marbles (2004, candidato a mejor disco del grupo), al igual que los dos siguientes, “Fantastic place” y “You’re gone”, este último fue el tema que puso a Marillion de nuevo en los charts después de casi un par de décadas.
Siguiendo con el mismo tipo de canciones, viene “Estonia”, del disco This strange engine y la brillante y poderosa “Afraid of sunlight” del disco de 1995 con el mismo nombre (otro candidato). Cerrando esta muestra gratis, aparece “The great escape”, del disco Brave (1994), que comenzó a marcar el nuevo rumbo de la banda.

Es difícil juzgar el disco como un todo al tratarse de un compilado, pero creo que en ese aspecto falla, el orden de los temas queda forzado y la elección de los mismos no resume todo lo que representa la banda. En todo caso, quienes investiguen más allá de este compiladito, se llevarán una grata sorpresa.

Recuerden:

http://www.marillion.com/music/racket/crash.htm

Sigur Rós – Með suð í eyrum við spilum endalaust

2008-06-17T13:11:00.000-07:00

Hay algo de poético en que Sigur Rós haya sido patrimonio exclusivo de los islandeses durante el siglo XX y fuera lanzado a los mercados de Estados Unidos, resto de Europa y resto del mundo (ahí entramos nosotros) recién en el siglo XXI. Hoy que la primera década del milenio está entrando en su recta final podemos mirar atrás y descubrir en estos cuatro islandeses a una de las bandas más determinantes de este período, que poblaron de extraños caracteres ipods e internet y que marcaron el rumbo (o uno de los rumbos) que la música tenía que tomar.
La sólida discografía que los respalda, el progreso que muestran de un trabajo a otro y sus espectaculares presentaciones en vivo, más su originalidad y el hecho de que nunca dejaron de ser, básicamente, una banda indie los convierte en una de las mejores y más importantes agrupaciones del momento.

Esta semana (16/6) salió a la luz, en formato digital, su quinto disco de estudio (la semana que viene estará disponible en disco de carne y hueso y en septiembre tendremos la edicion deluxe) llamado Með suð í eyrum við spilum endalaust, algo así como “con un zumbido en los oídos tocamos eternamente”, con el que reafirman todo lo que escribí en los primeros párrafos.

De entrada nomás, Sigur Rós sorprende con el extraño “Gobbledigook”, un cuasi-chamamé, alegre y festivo, que muestra una nueva faceta de la banda, donde aparecen descontracturados y hasta terrenales (admitamoslo, esta gente es celestial). El video clip (disponible free download en sigurros.com) es de una belleza suprema, con un grupo de personas corriendo libres en un bosque/isla/playa como dios los trajo al mundo (sí, eso que ven en la tapa del disco).
El disco sigue con “Inní mér syngur vitleysingur”donde aparece el good old Sigur Rós, con su ritmo uniforme y el piano acompañando la inconfundible voz de Jónsi.
“Festival”, uno de los dos temas largos del disco, es de lo mejor que escribieron en su carrera. Incluye dos partes, en la primera, suave y delicada, oímos la voz de Jónsi sobre un colchón de teclados y en la segunda entra la banda a todo volumen para una sección instrumental al mejor estilo Sigur Rós.
“Ára Bátur” es otra balada, con un precioso piano de fondo, que explota al final, con la entrada triunfal de los metales (que tan sabiamente saben utilizar, no en forma soul, disco o funk, sino sinfónica).
Otro elemento novedoso es la incorporación de temas escritos para guitarra acústica, como son “Illgresi” o “Gódan daginn”, donde prueban que el abanico de posibilidades con esta banda es inagotable.
Cierran el disco con “All alright”, donde se los escucha cantar en inglés por primera vez en su carrera, una canción inspiradísima, delicada, llena de belleza. Tal como esta banda nos tiene acostumbrados.

Daniel Barenboim en el Luna Park, 1/06/08

2008-06-02T12:40:00.000-07:00

En el marco del la celebración por el centésimo aniversario del Teatro Colón, Daniel Barenboim se presentó junto a la orquesta Staatskapelle de Berlín (no es la famosa Filarmónica de Berlín, sino la orquesta del estado, de la cual nuestro Barenboim es director artístico desde 1991) en el estadio Luna Park.
Que Daniel Barenboim sea argentino quizás le resta un poco de espectacularidad al acontecimiento y no nos deja ver realmente la dimensión del artista que se está presentando. No sólo es un director extraordinario, sino que es tan buen pianista como director, y eso es algo difícil de lograr. A semejante nivel los artistas suelen especializarse en un sólo ámbito.
Además de ser tan talentoso, es uno de esos con conciencia social un luchador por la paz y la justicia (una especie de Bono, pero académico) y es un honor haya nacido en este país y que se haya prestado para la celebración (la otra opción para el festejo era, conjeturo, Martha Argerich).

La orquesta, conducida por el maestro argentino interpretó fantásticamente la Obertura de Los maestros cantores de Nuremberg y el “Preludio y muerte de amor” de Tristán e Isolda, ambas composiciones de Richard Wagner, y la 5ta sinfonía de Gustav Mahler.
Es cierto que el Luna Park no es el mejor lugar para el sonido no amplificado (no tiene la acústica del Colón o de alguna iglesia) pero la orquesta se las arregló de la mejor manera y, salvo en los tramos de menor volumen, cumplió con creces.
Brilló la grandilocuencia de Wagner en su obertura, y la belleza de Tristán e Isolda; así como fue soberbia la ejecución de la sinfonía de Mahler, que se caracteriza por tener cinco movimientos y utilizar sólo las cuerdas durante el cuarto (el famoso adagietto).

Tampoco cumple el Luna con los requerimientos (menos importante, es cierto) estéticos de la velada. No quiero parecer elitista, pero los carteles de TyC o la venta de panchos y Coca no corresponden exactamente a un concierto de este tipo que debió haber tenido lugar en el Teatro Colón (¡no creo que falte mucho para festejar el centenario del comienzo de las obras de restauración!), cosa que Daniel Barenboim manifestó al final en un emotivo discurso largamente aplaudido, previo a la ejecución sorpresa del Himno Nacional Argentino con un coro improvisado de 5000 personas. Ahora puedo decir que fui dirigido por el mismísimo Daniel Barenboim.

Roger Hodgson - Take the Long Way Home – Live in Montreal

2008-05-10T14:09:00.000-07:00

Roger Hodgson es más conocido como el cantante de Supertramp, aquella banda de los 70s que se zarpó con los sonidos agudos. No es un tipo particularmente prolífico, si tenemos en cuenta que escribía la mitad de los discos de Supertramp (la otra mitad la escribía Rick Davies, eran una especie de Lennon/McCartney en ese sentido) y que, al dejar la banda en 1983, sólo grabó tres discos solistas. Si bien es cierto que pasó diez años “retirado”, la cantidad de canciones de Roger siguen siendo pocas.
Pero lo que le falta en cantidad le sobra en calidad. Roger es un compositor magnífico (quizás debido a sus hits como “Dreamer”, “Breakfast in America” o “It’s raining again” no se lo toma muy en serio, pero él supo componer cosas maravillosas como “Fool’s overture”), un cantante único (su voz es extremadamente particular) y un multiinstrumentista que sabe moverse cómodamente con el piano, la guitarra, el bajo y hasta la batería.

Este DVD que acaba de editarse en Argentina, nos muestra 70 minutos de Roger en un concierto que brindó en Montreal, acompañado solamente por Aarom MacDonald en clarinete, saxofón, teclados y coros, en donde repasa sus más grandes éxitos, además de presentar una canción inédita (“Keep the pigeons warm”).
Las interpretaciones son brillantes en todo sentido, la voz de Roger, tan aguda como siempre, se mantiene prácticamente intacta y la poca instrumentación (no hay bajo, batería, ni guitarra eléctrica) es tan colorida que da la sensación de no faltar nada.
Se destacan varias canciones, entre ellas la preciosa “Lovers in the Wind” de su primer disco solista In the Eye of the Storm, con Roger sentado en el elegante piano de cola. Otra de las destacadas es “Hide in Your Shell”, con su final desgarrador. Los éxitos como “Give a Little Bit”, “Dreamer”, “The Logical Song”, Breakfast in America” y “It’s Raining Again” (¡vaya que son muchos!) son festejados por un público apasionado y cronológicamente heterogéneo.
Para el final Roger se guarda lo mejor, una versión increíble de “School” (probablemente uno de los mejores temas de Supertramp”), la bellísima “Two of Us” y nuevamente “Give a Little Bit”. ¿Hay algo malo en tocar la misma canción dos veces en un concierto? Ni al público ni a mí parece importarnos.
Lo (poco) que queda en el lado del debe, es el “recorte” que sufrieron algunas canciones como “Sister Moonshine” y especialmente “Don’t Leave Me Now” en función a la duración del show, y la mala decisión de dejar afuera obras brillantes que fueron tocadas esa noche como “Fool’s Overture” o “Even in the Quietest Moments”, después de todo, el dvd sólo dura 70 minutos, lo que parece una analogía con la carrera de Roger Hodgson y su compensación en calidad de lo que falta en cantidad.

Los “extras” del dvd, en cambio, sí son generosos: algunas performances de otros shows, declaraciones de los fans, imágenes en la prueba de sonido y en los camarines y una entrevista a Roger donde cuenta la forma de componer que tenía Supertramp y básicamente está diciendo “Supertramp era yo”. Siempre lo supimos, Rog.

David Bowie - Aladdin Sane

2008-04-23T15:09:00.000-07:00

¿Qué se hace después de haber alcanzado la cumbre, después de crear EL album? Aunque nadie sabía que The Raise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars se iba a convertir en su disco bisagra, Bowie hizo lo correcto, un disco a la altura de su predecesor, que siempre iba a ser eclipsado por éste, pero que también iba a salir bien parado ante las comparaciones: Aladdin Sane no es menos alter-ego que Ziggy.

Musicalmente, al disco se le resta el dramatismo que había en Ziggy... (“Five years” o “Lady Stardust”, por ejemplo, son desgarradoras) y se le añaden elementos más propios del rock de los 60s, incluyendo cosas como "Drive-in saturday" o "Panic in Detroit" y un cover bien logrado de los Stones, "Let's spend the night together". Hace también varias menciones al estilo de vida Norteamericano, no sorprende que Aladdin Sane sea el disco que le haya abierto las puertas de ese mercado.

Así como J.S. Bach compuso El libro de Ana Magdalena o El clave bien temperado para que sus alumnos aprendan a tocar el piano, Mick Garson hizo algo similar para enseñarle al mundo lo que es tocar el piano y hasta le roba algo de protagonismo al mismísimo Bowie en temas como "Aladdin Sane" y "Time".

Ya que lo menciono, "Time" es, no sólo mi tema preferido del disco, sino uno de mis preferidos de toda la carrera de Bowie (compitiendo cabeza a cabeza con "Life on Mars?", "Lady Stardust" y "We are the dead") en el que el Duque Blanco canta con una teatralidad y una pasión que realmente conmueve.

"Breaking up is hard, but keeping dark is hateful

I had so many dreams, I had so many breakthroughs

But you, my love, were kind, but love has left you dreamless

The door to dreams was closed. Your park was real dreamless

Perhaps you're smiling now, smiling thought this darkness

But all I have to give is guilt for dreaming

We should be on by now"

"The prettiest star" es otro de mis favoritos. Bowie aparece más glamoroso que nunca y le canta al amor con un brillante acompañamiento de saxo interpretado por él mismo. Cierra el disco con un buen rock que se transformó en clásico, "The Jean Genie" y el extraño pero hermoso "Lady grinning soul".

"Feel the love of her caress

She will be your living end"

Regina Spektor - Begin to Hope

2008-04-13T17:47:00.000-07:00

Regina es uno de esos artistas atemporales, de esos que podrían haber aparecido en cualquier momento, lugar o contexto social y hubiesen brillado. Su propuesta es simple y conocida, chica-linda-pero-no-tanto-aunque-con-mucha-onda y lindas canciones. ¿Qué es lo que la hace diferente entonces? Me animo a esbozar una respuesta categórica: Todo.

Repasemos un poco de dónde vino esta chica. Nació en Moscú, Rusia (entonces todavía Unión Soviética) bajo el régimen comunista. Considerando que era de familia judía, no es de extrañar que haya tenido algunos inconvenientes, que se solucionaron con un simple exilio de varios meses hasta que, todavía niña, logró establecerse en New York. Allí retomó las lecciones de piano que había dejado en tierras bolcheviques.
En 2003, (con una ayudita de sus amigos los Strokes) aparece en el mapa gracias a dos temas de su tercer disco, Soviet Kitsch; “Carbon monoxide” y especialmente “Us” y en el 2006 se consagra definitivamente con Begin to Hope, obra que me dispongo a comentar.

No se crean que no voy a sostener ese “todo” que nombré en el primer párrafo, realmente el disco tiene un tratamiento en el que todo lo calculable está perfectamente calculado y todo lo azaroso está descuidadamente dejado al libre albedrío.
Hay que decir, para comenzar, que esta chica sobresale en el aspecto técnico; da la sensación de que puede hacer lo que quiere con su voz o con el piano. También se le nota la influencia de su educación académica y hasta hay rasgos de la escuela rusa (remitirse a “Après Moi”, “The Flowers” o “Us”). Maneja los matices de las canciones como pocos artistas lo hacen, así puede susurrar en canciones upbeat como “Better” o “On the Radio” y soltar todo el caudal de su voz en números más tranquilos como “Field Below” y “20 Years of Snow”.

La instrumentación que aparece es, cuando menos, inusual. Además de excelsa pianista, Regina se anima con otros diversos instrumentos. Si su técnica en el piano aporta perfección, su no-técnica en la guitarra aporta humanidad, que se nota sobre todo en la crudeza de “That Time”. Pero la guitarra aparece poco y nada en el disco, y la mitad de las canciones no cuentan con percusión alguna. Para reforzar este concepto (¡hay que hacer un disco de rock donde casi no haya guitarras y batería!) simplemente veamos el formato de “Fidelity”, tema que fue primer corte de difusión, que se apoya casi exclusivamente en cuerdas.

Tampoco escatima en géneros, ya que en el disco conviven orgánicamente los temas pop, el rock, las baladas, su jugueteo electrónico, su punk medio en broma medio en serio, su inclasificable “Après Moi” y hasta algo de jazz bluseado o blues jazzeado. En cualquiera de estos géneros se mueve con soltura y buen tino. La soberbia del brillante “Après Moi” contrasta con el minimalismo de “Samson” y la tristeza de “Lady” hace lo propio con la desfachatez de “Hotel Song”.

En el aspecto lírico Regina vuelve a dejarnos con la boca abierta. Cuando es dulce es la más dulce; cuando es ácida es la más ácida. Muestra una madurez sorprendente en canciones como “20 Years of Snow” o “Lady”, y al mismo tiempo aparecen cosas como “...summer in the city means cleavage, cleavage, cleavage…”. También sabe ponerse autobiográfica y sacar los trapitos al sol en “That Time” (“remember that time when you OD’ed?”). Tampoco tiene problemas en alternar lenguajes simples y sofisticados y tener en ambos casos resultados positivos, el tramo final de “On the Radio” es tan bello como sencillo.

Es una lástima que lo único que se editó de ella en este país es Begin to Hope y que sus dos primero discos (11:11 y Songs) sean prácticamente inconseguibles, inclusive a precio dólar/euro/libra. Por suerte internet puede hacer algo de justicia al poner al alcance de cualquiera las maravillosas obras de esta artista que va camino a convertirse en clásico.

Ray Thomas - From Mighty Oaks

2008-04-02T08:18:00.000-07:00

Los Moody Blues (al menos en su época de oro que va del ’67 al 70 y pico) son una banda de talentos parejos y como cuatro de los cinco miembros componen y cantan, se dividen equitativamente el espacio que van a ocupar en los discos. Eso hace que cada uno tenga poco lugar, no más de dos o tres canciones por álbum.

La “cara” de los Moody Blues siempre fue el rubio, carilindo y guitarrista Justin Hayward (y con justa razón, comercialmente hablando) pero sorprendentemente (inclusive para mí) mi preferido siempre fue Ray Thomas, generalmente ubicado a un costado del escenario. Su instrumento es la flauta y ya estarán conjeturando que cuando los Moody Blues tocan en vivo, Ray tiene poca participación, ya que la flauta no está ni cerca de sonar constantemente y se divide la voz principal con otras tres personas. Entonces es gracioso y un poco triste verlo a Ray parado, flauta en mano, moviendo su cabeza, durante, aproximadamente, el 75% del show. A mí siempre me pareció un desperdicio.

Por suerte, Ray grabó dos discos como solista y tengo la chance de escuchar 40 y pico de minutos exclusivos de él. El disco del que voy a hablar se llama From Mighty Oaks y salió en 1976.
Yo sé que, al ver la tapa, todos ustedes quieren darle una buena patada al trasero de ese chico, pero traten de contener sus impulsos agresivos y acepten que hay gente que goza de las cosas empalagosas al estilo Disney.
Hay que destacar el buen gusto de Thomas, abre el disco con una obertura orquestada, bien en el estilo de Days of Future Passed (primer disco de los Moody Blues, bah, es el segundo, pero es como si fuera el primero) y levemente influenciada por la música cinematográfica. En el segundo tema, "Hey mama life", aparece la voz de tío bueno de Ray. Es una balada al piano, muy bonita por cierto. Si piensan que varias canciones de este estilo aparecerán en el disco, no se equivocan en absoluto ya que “Love is the key” o la majestuosa “I wish we could fly” van por el mismo camino.
El cuarto tema es una linda sorpresita, en tiempo de blues, con una introducción que parece de George Harrison donde la guitarra "slide" se lleva todos los aplausos.
Después aparece "High above my head" que parece ser el single del disco. Bastante más "upbeat" que lo que teníamos hasta ahora, con una sección de bronces y una melodía pegadiza, pero definitivamente, no es de lo mejor que puede ofrecernos Ray.
"You make me feel alright" es un poco más de lo mismo, igual que "Adam and I", aunque ésta última tiene una delicada introducción dónde Ray se acuerda que toca la flauta.
Para el final deja la ya mencionada “I wish we could fly”, que va en constante crescendo, desde el piannisimo del comienzo hasta la orquestación wagneriana (exagerando un poco) del final. Ray saca a relucir todo el potencial de su voz y deja en claro por qué los Moody Blues son una de las bandas que mejor supieron unir el sonido de la orquesta con el formato de banda de rock.

En definitiva, Ray nos brinda un disco agradable que si bien no logra estar a la altura de lo mejor de los Moody Blues, tampoco decepciona y permanece como una obra digna de uno de los tantos segundones que habitan el mundo del rock, detrás de las caras más reconocidas.

Robyn Hitchcock – I often dream of trains

2008-03-24T13:59:00.000-07:00

Robyn es un inglés que cuenta con un apellido por demás célebre, cosa que -conjeturo- le habrá causado algún perjuicio a la hora de sumar popularidad. No hace falta aclarar que el apellido Hitchcock se asocia al nombre Alfred y no Robyn. Este inglés de bautismo desafortunado, comenzó su carrera a fines de los 70s con una banda llamada The Soft Boys, con la cual grabó el excelente Underwater moonlight. Durante los 80s editó lo mejor de su obra, yendo siempre a contramano de lo que dictaban las tendencias de ese entonces (el disco que estoy a punto de comentar es prácticamente acústico en su totalidad y fue editado en 1984, durante la era de oro de los sintetizadores). Su sonido suele asociarse con David Bowie, John Lennon, Syd Barret o Frank Zappa (caramba, ¡qué nombres!) pero sería una verdadera injusticia tratar de definir a Robyn de esa forma. Lo suyo es algo único.

I often dream of trains se compone de 14 canciones. Aprovecho para advertir que les va a costar bastante, a aquellos interesados, poder bajar el disco editado originalmente, ya que casi todas las reediciones en CD tienen bonus tracks entreverados que alteran el orden y la cantidad de canciones. Recomiendo conseguir la edición más reciente de Yep Roc Records que respeta lo que Robyn editó en 1984 y agrega unas cuantas joyitas inéditas (aunque ya sabemos lo relativo que se volvió el término “inédito” desde la llegada de Internet). Insisto con esta edición, y si encima hacen el esfuerzo y consiguen el CD de carne y hueso, se llevan de yapa una linda historieta y un brillante cuento, ambos a cargo del buen Robyn.

Confieso cierta debilidad por los discos que tienen pre y posludios y ese fue el primer punto que sumó este álbum. Abre y cierra con “Nocturne”, una preciosa pieza para piano, oscura y melancólica, que nos anticipa lo que va a venir: canciones -repito- oscuras y melancólicas, inspiradas, bien interpretadas y con letras inteligentes. Buenos ejemplos son “Cathedral”, “Flavour of night” o el tema que da título a la obra.
Pero Robyn también intercala canciones más ácidas, bañadas en humor macabro, como “Sometimes I wish I was a pretty girl”, “Sounds great when you’re dead” o “Uncorrected personality traits”. Ésta última no tiene desperdicio. Despojada de cualquier tipo de instrumentación, sólo cuenta con armonías vocales, todas a cargo de Hitchcock (dicho sea de paso, toca todos los instrumentos en el disco, con excepción de un par de invitados) y una letra que podría desterrar a la psicología de la faz del planeta.
Las maravillas continúan y podría nombrar todo el disco entero, pero voy a destacar “Ye sleeping knights of Jesús”, una canción divertida y una obvia burla al evangelismo más fanático: “…two thousands years and he ain’t been back yet…”.

Es difícil, sino imposible, elegir un disco de Hitchcock. Cuenta con una discografía de altísimo nivel y de vasta extensión. Ya nombré Underwater moonlight y también podría agregar el precioso Fegmania! junto a los Egyptians, el crudo Black snake diamond role o el lennonizado Eye, pero sin lugar a dudas, I often dream of trains es uno de esos discos a los que no se les puede dar la espalda.

Who goes to waste when you’re tasting the flavour of night?

Sigur Rós – Ágætis Byrjun

2008-03-17T07:41:00.000-07:00

El 8 de Enero de 2003 sentí, después de mucho tiempo, que todavía era posible crear algo nuevo y original. Fue el día que conocí Ágætis Byrjun.

Gracias a Rate Your Music (ya les contaré sobre esta preciosa página) accedí a la banda y gracias al mismo sitio quedó constancia de la fecha.

Todavía faltaba mucho para que MTV comience a rotar el video de "Hoppipolla" y para que en Argentina se dignen a editar Takk y Heima/Hvarf y yo me sentía "dueño" de la banda, ¿Vieron qué lindo se siente ser el primero en conocer algo que se perfila para ser un éxito artístico? Ahí estaba yo, contándole al mundo de cuatro islandeses que parecían estar tocando instrumentos hechos con el hielo de su país.

Unos meses después invertí $ 70.- en el CD y me pasó lo que me pasa en el 99% de los casos: el disco me gustó más cuando lo escuché como es debido (y no en mp3 con parlantes de plástico). El problema era que el disco ya me gustaba muchísimo y yo, siempre firme en mi filosofía de "al César lo que es del César" tuve que aceptar lo que interiormente ya sospechaba, en mis manos tenía una obra que estaba a la altura de las grandes obras de la historia del rock. Alguien se había tomado el atrevimiento de igualar a los Beatles, a Genesis, a Pink Floyd.

Lo cierto es que Ágætis Byrjun es una obra brillante desde su "Intro" hasta "Avalon". La música suena impecablemente pulcra, es como mirar una cristalera con el juego de copas más elegantes. Para darles una idea del sonido de la banda, digamos que hay que mezclar Ok Computer con la introducción de "Shine on you crazy diamond".

Pero Sigur Rós es mucho más. No sólo encontró su propio sonido, sino que también encontró el propio sonido de todas las bandas de post-rock que llegaron después (Mono, Godspeed You! Black Emperor, Explosions in the Sky, etc).

Las joyas a destacar son varias (en realidad son todas), "Staralfur" (A staring elf, Un elfo mirando) es una de sus canciones más directas. La orquesta suena soberbia (como en todo el disco) y la hipnótica voz de Jónsi nos envuelve con su nitidez y el surrealismo de la letra. En el medio del tema aparece un corte beatlesco y la orquesta vuelve a ser la estrella. "Vidrar vel til loftarasa" (Good weather for airstrikes en inglés, algo así como "Buen clima para 'voleas' o 'chilenas'", futbolísticamente hablando, en castellano) es en donde más se nota la influencia de Pink Floyd, de hecho, entrando en los cuatro minutos de canción, la guitarra suena como si la estuviera tocando el mismísimo David Gilmour. En "Olsen Olsen" Jónsi nos presenta el lenguaje que inventó: Hopelandic ("Esperanzalándico" sería una horrible traducción), donde su voz es un instrumento más y pronuncia los sonidos que mejor quedan con la música. El tema es el "Hey Jude" de los muchachos. Al comienzo, el bajo zigzaguea por debajo del tema y para la segunda parte de la canción repiten hasta el hartazgo una melodía pegadiza, con final apoteótico y coro.

Estos son unos pocos ejemplos que integran la maravilla que hicieron Jónsi, Georg, Orri y Kjarri. Los cuatro desparraman el frío islandés por todo el mundo. Bienvenidos. Petta er ágætis byrjun.

Edvard Grieg – Concierto para piano y orquesta en la menor

2008-03-15T03:29:00.000-07:00

Edvard Grieg cuenta con el honor de haber nacido el mismo día que yo, aunque un siglo y pico antes. Un 15 de junio de 1843, en una ciudad de la costa este de Noruega, llegaba al mundo este maravilloso compositor romántico y nacionalista como pocos.
Sus padres (especialmente su madre, que le dictaba lecciones de piano de pequeño) lo alentaron a estudiar música. A los 15 años se fue a Leipzig (ciudad determinante en la vida de Bach) primero y más tarde a Copenhague para estudiar, antes de volver a su Noruega natal e instalarse en Oslo.

Eran tiempos extraños para el arte. El nacionalismo que se estaba gestando en Europa (y que terminaría en pavadas tales como el holocausto y un par de guerras mundiales) se alimentaba de las expresiones artísticas. Es por eso que abundan en la obra de Grieg las referencias a la historia y la mitología nórdica y las melodías tradicionales noruegas.
Pueden reconocer a este genio a través de sus hits como lo son “Morning mood” (usada en infinitas series y películas para acompañar la imagen del amanecer) y “In the hall of the mountain King” (versionada por todas las bandas de metal con integrantes que se creen vikingos), ambos pertenecientes a su maravillosa suite Peer Gynt, que le pone música a la obra del mismo nombre del escritor Henrik Ibsen.

Pero ahora voy a concentrarme en lo que es la obra maestra de Grieg, su concierto para piano y orquesta en la menor.
A través de los tres movimientos que integran este concierto, se nota la grandilocuencia del compositor noruego. Desde el comienzo a toda pompa de su Allegro molto moderato hasta ese final Andante maestoso in crescendo donde parece que se cae el mundo. Grieg intercala la fuerza de la orquesta con la sensibilidad del piano, una especie de Wagner meets Beethoven, y créanme que Edvard no tiene nada que envidiarle a ninguno (bueno, quizás sí a Beethoven, tampoco exageremos). En el primer y tercer movimiento, donde más se destacan los climas trágicos y potentes, Grieg recurre a la repetición de un leit motiv en sus diferentes variaciones, siempre con inteligencia y originalidad, aprovechando todos los matices que ofrece un instrumento tan completo como el piano.
Los pasajes más tranquilos no se quedan atrás. El segundo movimiento (Adagio) es de una belleza indescriptible. La orquesta se lleva casi todos los aplausos en el primer tramo (hasta los dos minutos y pico el piano no aparece) y nos remite un aire barroco por momentos. A partir de la segunda mitad, aparece el romanticismo en toda su expresión. El lento diálogo entre el piano y la orquesta está plagado de sentimiento.

Repito: es la obra maestra de Grieg y tiene con qué. Para quienes todavía quieren el disco, ya sea CD o vinilo, seguramente van a encontrarlo junto al concierto (también para piano, también en la menor) de Schumann. Les recomiendo la versión de Dinu Lipatti (aunque la calidad de sonido deja bastante que desear) pero la interpretación de Krystian Zimerman, con la orquesta Berliner Philharmoniker dirigida por Herbert von Karajan (editada por la Deutsche Grammophon, con excelente sonido) no está para nada mal.

Jarvis Cocker en La Trastienda, 11 y 12 de marzo de 2008

2008-03-13T17:44:00.000-07:00

A pesar de los precios ridículamente caros que iban de $200 a 410.- (¿common people? ¡Ja!) la gente asistió a La Trastienda y prácticamente llenó las dos noches.

A los fans de Jarvis le suceden una de estas dos cosas: o son el sector de la población con mayor tendencia a la miopía y el astigmatismo, o son unos pelmazos que imitan las gafas de Jarvis, ignorando que solamente le quedan bien a él. Me inclinaría más por la segunda opción.
La duración del show fue inversamente proporcional a los precios, no superó los 80 minutos y entonces la ecuación nos da que, el que más pagó por ver a Jarvis, abonó el módico precio de $5 el minuto de Cocker. Esta especie de analogía con los abonos de los teléfonos me recuerda la ya establecida invasión de celulares. Dudo que la gente que durante el show se la pasa sacando fotos, filmando o mandando mensajes de texto, disfrute plenamente de éste. Más bien pareciera que van al show a buscar pruebas de que estuvieron ahí.

Pero todos estos factores no pudieron –ni siquiera estuvieron cerca– de reducir los resultados del concierto. Fue un show sencillamente magnífico.
Tenemos la suerte (aquellos a quienes nos importa) de estar disfrutando de un Jarvis a pleno. No solo está en excelente forma, también está haciendo sus mejores canciones (Jarvis, el disco, es tan bueno como lo mejor de Pulp) y está con su mente fija en el futuro, en las dos noches no tocó ni siquiera un tema de su vieja banda y nos presentó tres canciones brillantes que seguramente integrarán su próximo álbum. No es como el caso de, digamos, Roger Waters, que si bien hizo un show espectacular y la emoción de ver al alma de Pink Floyd en un escenario es más importante que cualquier otra cosa, el tipo tocó con el “piloto automático” puesto y, vamos, “presentó” un disco que salió en 1973.

Otras de las cosas para destacar es el desenvolvimiento de Jarvis como frontman. Tiene el carisma, el sentido del humor y la elegancia de los británicos más excéntricos (Bowie, Gabriel, Ferry). Entretuvo al público durante todo el show, regaló dos latas de cerveza, uvas, caramelos y un cigarrillo empezado (por él) con la promesa de que iban a ser compartidos y que nadie iba a empujar y mezcló el inglés con el lunfardo (introducía en sus oraciones palabras como mina, chabón, piola, chapita, chamullo, che, etc.).

El show fue exactamente igual en ambos días, solamente varió los bises. Arrancó sin ninguna clase de extravagancia, la banda se subió al escenario y empezó con “Fat Children”, el tema más potente del disco, que hizo que el show empiece bien arriba. Siguió con “Don’t let him waste your time”, el pseudo hit que todo el mundo se sabía gracias a la velocidad y facilidad del mp3.
Siguieron pasando los temas solistas, incluyendo los tres estrenos que nombré más arriba: “One man show”, “Girls like it too” y “Big stuff”. El próximo disco de Jarvis ya cuenta con tres obras maestras.

Los puntos a destacar fueron “Black magic”, en el que Jarvis termina prácticamente poseído y “Big Julie”, uno de los mejores temas que haya hecho en toda su carrera, con un in crescendo al final que hiela la sangre.
El cierre del show con “Running the world”, la canción perfecta para el sing along, fue realmente acertado.
Para los bises, que, como dije, fue lo único que cambió de show a show, Jarvis se dio el gusto de tocar clásicos del rock. El primer día volvió al escenario preguntándole a la gente si quería escuchar algo de Pulp y tocó “Little green bag”, al finalizar dijo algo sobre una broma con la película Pulp Fiction (en realidad la canción pertenece a la banda de sonido de Reservoir Dogs) y cerró el show con “Purple haze” de Jimi Hendrix. El segundo día, hizo un tema que no reconocí y cerró con “Lola” de The Kinks.

A aquellos que no quisieron pagar los $200 que costaba el show les digo que es un concierto que vale mucho más de lo que cuesta y les pregunto: ¿Cuántas veces se arrepintieron de ir a un recital y cuántas se arrepintieron de no haber ido?